Lunes Por La Mañana

Por convención se tiende a asociar los sábados por la noche como un momento de fiesta, de relax. Y la programación de los canales de televisión a nivel mundial se hace eco de este espíritu: los shows musicales se transmiten ese día, al igual que los espectáculos de comedia, que muchos se pasan en vivo cual es el caso del venerable y clásico “Saturday Night Live”; cantera para la actual generación de actores cómicos que han iniciado su carrera en este programa así como para presentar artistas y grupos musicales de renombre, en su tradicional horario de las 11:30 de la noche hasta la 1:00 AM del domingo totalmente en vivo. Curiosamente, en la televisión local del sábado nocturno esta franja horaria es reducto de telenovelas, noticieros, películas amarillentas y blanquecinas de las veces que se han transmitido, infomerciales y “Pare De Sufrir.” Esto, hasta que apareció en las pantallas locales algo más malo que lo antes mencionado: “Sábado En La Noche.”

Concebido como un “programa ligero” considerando la montaña de noticias malas que se suceden todos los días en Globovisión, se colocan en cámara tres rostros con faldas y tacones para comentar noticias de espectáculos y chismes en vivo; obviamente con el desespero que les provoca por terminar el mismo y salir raudas y veloces a cuanta discoteca o fiesta que se esté sucediendo en ese momento. Y es por este factor, además de no culturizarse en los temas que tratan o de asumirlos con seriedad por muy banal o fatuo que resulte la prensa ligera comparada con otras fuentes, lo que hace que el programa ni aporte ni minimice en algo a la programación televisiva local, sino que se convierte en un desperdicio monumental de horas como pocos.

Hace tiempo nuestro colaborador Herr Kaiser quien también es periodista, nos comentaba que la prensa de espectáculos en este país era algo que los graduados de las escuelas de periodismo no querían tomar como fuente o como rama para hacer carrera porque en los grandes medios era –y todavía es– material de relleno que no aporta la clase de prestigio que involucran las fuentes de política, economía, sucesos, internacionales o deportes, como una cenicienta del reporterismo. Y mucho de inocentada hay en “Sábado En La Noche” porque a cuenta de que están buenas Rebeca Moreno, Melissa Rousseau y Sandra Villanueva, les aceptan y celebran el que metan la pata hasta el fondo al decir barbaridades sin base alguna, que reseñen un evento como si estuviesen en la sala de sus casas contando chismes de comadres o que no se preparen de manera adecuada al hacer una entrevista que, de acuerdo con el actual Código de Ejercicio de la profesión sólo los periodistas graduados son los que pueden hacerlas.

Pero claro, estamos conscientes –aunque no justificamos el programa ni a sus desanimadoras– de que los medios del entretenimiento y de espectáculo local son de una condición depauperada por no decir inexistente, con “actores” que ya son famosos con solo hacer una telenovela, rockeros que se sienten monstruos del escenario cuando no hacen un material innovador sino copias y refritos de fórmulas ya probadas además de los exasperantes (por lo seguido) homenajes a grupos foráneos, artistas extranjeros de dudosa reputación y calidad artística discutible, eventos nocturnos donde sólo disfrutan a ritmo de reggaeton y vallenato con champeta con whiskey destapaneuronas y pasapalos que ameritan ingreso en cualquier clínica por intoxicación alimenticia, y una economía digna de cualquier país subdesarrollado que impide de forma malsana y descarada el que se traigan talentos y artistas de alto vuelo –nuestros grandes deseos de ver rock de altura no han sido satisfechos en este año y no lo serán en los años por venir– para refrescar y potenciar el panorama cultural del país.

Sólo el mencionado escenario de caos y mala calidad es lo que justifica que existan barbaridades como “Sábado En La Noche”, en vez de programación de mérito, programas cómicos o musicales con buen gusto. Y desgraciadamente, no hay visos de que algún canal de televisión vernáculo tenga las agallas suficientes para hacer lo más importante: televisión. Antes que pasar un sábado en la noche viendo este adefesio, es preferible despertar un lunes por la mañana en una cola de vehículos para ir a trabajar. No es malo, es pésimo… El programa, claro.

La Hazaña Más Importante De La Historia… Apollo 11

1969. Luego de un año anterior lleno de caos, el cierre de la década más convulsionada y excitante de todas en el siglo XX no podía quedarse atrás. La escalada militar en Vietnam llega a los 500.000 soldados con una cifra significativa de bajas y de prisioneros de guerra. Las protestas estudiantiles que se habían iniciado en 1968 con el Mayo Francés y La Matanza de Tlatelolco alcanzan cotas más elevadas en cuanto a virulencia y a represión. Los comunistas recalcitrantes empiezan a desencantarse luego de que en Agosto pasado los tanques rusos entraran la ciudad de Praga, Checoslovaquia para frenar el avance del experimento socialista de Alexander Dübcek que se conoció como la “Primavera de Praga”; muchos de ellos se pasarían a las filas de la socialdemocracia. En España el Generalísimo Francisco Franco anticipa que su tiempo al mando férreo del territorio español y su aislamiento con el resto del mundo se acercaba a su fin y nombra como sucesor al entonces Príncipe Juan Carlos de Borbón. Norteamérica recibe en la Casa Blanca a su nuevo presidente, Richard M. Nixon, mientras en los campus universitarios las manifestaciones contra el Sistema se hacen más y muchas y en las barriadas negras el movimiento de las Panteras Negras llega a conectarse con estas comunidades proclamando el orgullo negro como dogma de fe. En Venezuela se inicia el gobierno de Rafael Caldera con la propuesta de pacificar a las guerrillas y cerrar la Universidad Central de Venezuela como respuesta al proceso de “renovación universitaria” que el gobierno consideraba era una célula del Partido Comunista y un experimento satélite de Cuba. La sociedad se encuentra en pleno auge del movimiento hippie que va por su tercer año proclamando paz, sexo, drogas y rock ‘n roll, pero dos eventos determinarían su caída: el primero a principios de Agosto con la salvaje matanza contra la actriz Sharon Tate a manos de Charles Manson y su secta conocida como “La Familia”, quien amparándose en el ideario hippie y malinterpretando todo el “Álbum Blanco” de The Beatles lo inspiró a delinquir y a matar; y el segundo sucedería en Diciembre con el fallido concierto de Altamont que le costaría la vida a dos personas mientras The Rolling Stones estaban en escena, con lo cual la paz que hasta hace poco proclamaban, pasó a ser sustituida por la violencia. En cuanto a Mick y compañía, junto con las glorias (se publican el single “Honky Tonk Woman” y el disco “Let It Bleed” con el himno “You Can’t Always Get What You Want” y entra el guitarrista Mick Taylor) también vienen las bajas (despiden por su conducta errática a Brian Jones para luego ser encontrado muerto en su casa el 3 de Julio). Janis Joplin deja a Big Brother & The Holding Company para formar otra banda llamada Kozmic Blues. The Doors lanza su disco “The Soft Parade”, Bob Dylan regresa de su exilio de tres años para publicar su libro de poesía “Tarántula” y su disco “Nashville Skyline”, Santana sacude la música con su innovador disco debut, Led Zeppelin y Black Sabbath inauguran la era del Heavy Metal y The Who llega a las máximas cotas con el lanzamiento de su ópera rock “Tommy.” Los días 15, 16 y 17 de Agosto se reúnen algunos de ellos para el Festival de Rock más importante de todos los tiempos condensado en una palabra: Woodstock. Y la realeza del rock; a saber, John, Paul, George y Ringo están al borde de la separación a raíz de las constantes peleas y diferencias; y sin embargo graban el disco “Get Back” (más tarde rebautizado como “Let It Be” en 1970) y publican su canto de cisne y el final de la dictadura beatle, “Abbey Road.” Así mismo, el 11 de Marzo contraen matrimonio Paul y Linda y el 20 de Marzo John y Yoko. Estos dos últimos lanzarían el sencillo “Give Peace A Chance” e iniciarían ese mismo 20 los célebres bed-in, encamamientos a favor de la paz mundial. El cine está imbuido del espíritu del Nuevo Hollywood con los estrenos de tres filmes capitales: “Easy Rider” de Dennis Hopper y Peter Fonda, “The Rain People” de Francis Ford Coppola y “Midnight Cowboy” de John Schlessinger. Y en Latinoamérica el sacudón literario tenía dos palabras: realismo mágico.



Pero paralelo a este entorno tan humano y pedestre en ocasiones, se desarrollaba la carrera espacial con la feroz competencia entre la Unión Soviética y los Estados Unidos, más por un factor de demostrar cuál sistema político era mejor que por un verdadero avance en la ciencia. Y con todo lo irónico, esta carrera significaría progresos en lo científico, lo humanístico, lo filosófico y lo espiritual. Si bien el inicio de la misma fue el 4 de Octubre de 1957 con el lanzamiento del Sputnik por parte de los rusos, el Alfa y el Omega de la exploración espacial sucedió el 20 de Julio de 1969 al cumplirse la meta de un presidente y el sueño de la Humanidad desde su aparición en la Tierra en las figuras de tres hombres: Neil A. Armstrong, Edwin E. “Buzz” Aldrin y Michael Collins. Y una palabra quedaría para siempre como el logro más importante de la Historia: Apollo 11.

“This nation should commit itself to achieving the goal, befote this decade is out, of landing a man on the Moon and returning him safely to Earth.”

[Palabras citadas por el Presidente John F. Kennedy en Mayo de 1961]

10, 9, 8, Ignition sequence started, 6, 5, 4, 3, 2, 1, 0…Liftoff!
Un aviso publicado en la prensa venezolana el 20 de Julio de 1969 pedía: “Elevemos hoy nuestras plegarias al Todopoderoso, para que con su ayuda se lleve a feliz término la máxima hazaña de la Humanidad.”

Antes de esta fecha cuando la carrera espacial no había empezado, se consideraba que el viaje a la Luna y su habitabilidad pertenecían a fantasías propias de la literatura de ciencia ficción, de la cual el relato más acertado y exacto a lo que la realidad comprobó fue el de Julio Verne con su novela “De La Tierra A La Luna”, mismo que serviría como base para la primera película de ciencia ficción espacial en 1902, “Viaje A La Luna” de Georges Mélies. De igual forma, en décadas posteriores todas las formas de arte aludían en mayor o menor medida al vuelo espacial y el destino lunar como sitio para vivir y trabajar o como escala hacia otros rincones del Universo. Entre ellos, Arthur C. Clarke escribió un relato en 1953 con el nombre de “The Sentinel” y en donde se narra un viaje a la Luna para encontrar un artefacto extraterrestre bajo su superficie. Esta historia sería la base para el film más importante de la ciencia ficción estrenado en 1968, un año antes de Apollo 11, “2001: A Space Odyssey” de Stanley Kubrick.

“La tripulación del Apollo 11 abrió la puerta al infinito.”

[Arthur C. Clarke opinando sobre la llegada del hombre a la Luna.]

Pero la verdadera historia empezaría a ser escrita a partir de las 9:32 AM EDT del miércoles 16 de Julio de 1969 desde la plataforma 39A de Cabo Cañaveral en el cohete más poderoso construido hasta entonces: el Saturno V de 110, 64 metros, el equivalente a un edificio de 36 pisos, con un diámetro de 10 metros, un peso de 3000 toneladas y con un empuje de 4 millones de Kilogramos fuerza. Todas estas dimensiones fueron las que se necesitaron para liberar de la gravedad terrestre a Armstrong, Aldrin y Collins.

Sólo Dos lo Vieron en Latinoamérica
Una de las mejores demostraciones de la teoría de la “aldea global” propulsada por el teórico de la comunicación Marshall McLuhan se demostró con la transmisión universal por televisión y vía satélite de todo lo concerniente a la misión Apollo 11. Si bien el suceso fue registrado por la televisión en emisiones que casi llegaban a las 24 horas por lo constante en la programación de los canales alrededor del mundo, no todos los países tuvieron la fortuna de ver en sus aparatos la transmisión en vivo, desde el bloque comunista para evitar ser objeto de ridiculización ante la evidente derrota en el espacio, hasta la casi totalidad de Latinoamérica que por problemas de desarrollo tecnológico y altos costos, vieron esta transmisión en diferido. Sólo dos países en Latinoamérica con la excepción de México pudieron ver en vivo todo el evento en los días que duró: Colombia y Venezuela. El logro que permitió al país ser testigo de la Historia se atribuyó a Radio Caracas Televisión, la hazaña que hizo esto posible es como sigue.

Los ejecutivos del canal, Armando Enrique Guía y Hernán Pérez Belisario, querían transmitir la misión del Apollo 11 en vivo al costo que fuera sin la disparidad de hacerlo en diferido; en función de ello buscaron muchas alternativas. La primera involucraban varios aviones que ubicados en el Mar Caribe retransmitirían la señal desde su captación en el sur de Estados Unidos y así sucesivamente hasta la recepción final con una antena ubicada en el Hotel Humboldt; de inmediato se desechó por impráctica. La segunda significaba recibir de rebote la señal que llegaría a Colombia, más el precio que fijaba este país era especulativo. Por un momento se consideró esta salida debido a que estaban contrarreloj, hasta que en un viaje a Indiana, Estados Unidos a comienzos de Junio encontraron una antena estación rastreadora de satélite de 9 metros de diámetro que había sido puesta fuera de servicio el año anterior, pero que estaba en buenas condiciones y a un precio de alquiler de $300.000, inferior al costo de retransmisión. Mediante la colaboración de la Fuerza Aérea Norteamericana se transportó por partes la misma en aviones C-130 Hércules hasta el Aeropuerto de Maiquetía. Mientras se empezaba a descargar el material, descubrieron que no había en el cuadrante espacial un satélite geoestacionario que estuviera sobre el país; el único que se encontraba cerca era uno ATS ubicado hacia el Océano Pacífico con el consiguiente problema de que se podía perder la señal por estar en el centro del país.



Era necesario trasladar la antena recién comprada, que además fue la primera de su tipo en Venezuela. Dos años después se instalarían las antenas de Camatagua, Estado Aragua. El sitio en el horizonte espacial donde era posible captar la señal del satélite era Maracaibo, Estado Zulia, y la locación perfecta era el casi finalizado Aeropuerto de Caujarito, rebautizado después como el Aeropuerto de La Chinita. Todo el séquito tecnológico se trasladó para allá y se procedió a instalar la antena siendo terminada a una semana y media del 16 de Julio de 1969. Pero mientras se hacían las pruebas se descubrió que la temperatura de operación de los equipos era casi de punto de congelación, algo técnicamente imposible en el calor marabino. Al saberse de la situación, fábricas de aire acondicionado suministraron equipos libres de costo e incluso empresas fabricantes de hielo en Maracaibo enviaban todos los días camiones con panelas y bolsas de hielo. Esta labor titánica tuvo su recompensa: Venezuela vio en vivo la misión del Apollo 11.

Para efectos de poder traer y transmitir la señal a todo el país, Radio Caracas Televisión tuvo que solicitar el permiso de CANTV, la cual exigió como condición que la señal se transmitiera también por la Televisora Nacional. Así, y desde el 16 de Julio de 1969, se podía ver en el canal 5 al jefe de prensa y director del canal, Edgardo de Castro, mientras que por Radio Caracas Televisión se veía como corresponsales en Houston para NASA a Rafael Poleo y Clemente Cohen, y en los estudios del canal a Oscar Martínez, el locutor de noticias Francisco Amado Pernía, y como ancla de la transmisión al Número 1: Renny Ottolina. En Estados Unidos la CBS también hacía historia al tener como presentador ancla a Walter Cronkite, catalogado en ese entonces como la personalidad de mayor credibilidad en el país por encima del Presidente.

“The Eagle Has Wings!”
Si alguien en la década de los 60 podía rivalizar en cuanto a la fama y el reconocimiento mundial con The Beatles, esos eran los astronautas norteamericanos, desde los primeros 7 de las misiones del Proyecto Mercury. Básicamente en esa época se podían elegir dos modelos en la juventud: bien ser un hippie y marchar a favor de la paz, o ser un astronauta. En el caso del segundo el sueldo no era nada malo, Neil Armstrong ganaba $32.700 al mes.

Además de la fama que estos poseían, la publicidad que rodeaba a sus vidas era diseccionada con lupa, desde aparecer constantemente en las revistas Time y LIFE, hasta invadir el terreno de la publicidad a todo nivel, haciendo que con colocar el aviso de espacial en cualquier anuncio comercial en el mundo bastara para aumentar las ventas. En el país Venezolana Internacional de Aviación, Viasa promocionaba viajes a Acapulco mediante el anuncio de no poder todavía ir a la Luna y mientras tanto viajar a México. Las cadenas de tiendas colocaban ofertas lunares o espaciales y los llenos eran masivos. Un modelo de juguete del Saturno V tenía un costo de Bs. 2,00 con todo y los módulos de comando “Columbia” y lunar “Eagle.” La moda se encontraba entre el poliéster, el metal y el plástico en trajes diseñados por Paco Rabanne, André Courreges y Mary Quant con influencia espacial. General Electric vendía televisores a Bs. 200,00 con facilidades de pago a crédito, los cuales volaban de las tiendas.



Y fueron precisamente estos televisores, junto con los de otras marcas los que permitieron a la Humanidad ver en vivo el Domingo 20 de Julio de 1969 como se separaban ambos módulos y escuchar a Neil Armstrong mencionar que el “Eagle” tenía alas, en alusión a que ya estaban en camino a descender al Mar de la Tranquilidad. Esto sucedería en la tarde de este día a las 4:17 PM EDT, cuando luego de maniobrar la nave en modo manual para evitar golpear rocas que se encontraban en la superficie y con 25 segundos que quedaban de combustible, Armstrong anuncia lo siguiente:

“Houston, Tranquility Base here. The Eagle has landed!”

Esto solo era el preámbulo de lo que sucedería 6 horas y media después, cuando a las 10:52 PM EDT Armstrong abre la escotilla del “Eagle” y empieza el descenso por la escalerilla. Al llegar al segundo peldaño activa una cámara de televisión que transmite en vivo a todo el planeta Tierra. Terminando de descender se posa sobre las placas redondas del módulo lunar antes de colocar su pie izquierdo sobre la superficie polvorienta de la Luna, entrando con ello en la Inmortalidad y convirtiéndose en el más famoso de la Historia del Hombre. 10:56 PM EDT del Domingo 20 de Julio de 1969. Neil A. Armstrong de 38 años de edad y comandante de la misión Apollo 11 se convierte en el primer ser humano en pisar la Luna, mencionando las 12 palabras más importantes de todos los tiempos:

“That’s one small step for a man, one giant leap for Mankind.”

Para ser secundado luego por Aldrin, colocar una placa conmemorativa del evento, plantar una bandera de los Estados Unidos, realizar las fotografías más importantes de la Historia Universal, conversar por teléfono con el Presidente Richard Nixon, elaborar experimentos en la superficie lunar, y regresar al cabo de dos horas al módulo “Eagle” para descansar y elevarse el día 21 de Julio, en su reencuentro con Michael Collins que se había quedado en el “Columbia.”

Según cálculos posteriores de medición de sintonía, la audiencia de la llegada del Hombre a la Luna fue en una relación de 2 por cada 3 personas, con lo cual el rating ha sido hasta ahora el mayor de la Historia, 97% de audiencia, cifra que sería la misma si se trasladaran las proporciones de sintonía a estos tiempos. Literalmente TODO el mundo vio a Neil Armstrong desde el Aeropuerto John F. Kennedy y Times Square en Nueva York, pasando por la Avenue Des Champs Elysées en París, Tokio en Japón y Sydney en Australia a la hora del almuerzo, Ciudad de México desde el Zócalo, en el Foro Romano de la Ciudad Eterna, en Trafalgar Square en Londres, en todas las grandes ciudades del planeta la sensación era de éxtasis, alegría, emoción, en pocas palabras, el Mundo se convirtió en uno solo.



En Venezuela, junto con todos los hogares del país en una cifra del 99% de audiencia no alcanzada hasta la fecha, muchos sitios públicos fueron habilitados con televisores para que nadie se quedara fuera de la Historia. En Maracaibo se vio en la Plaza de la Basílica de la Chiquinquirá, en Valencia, Maracay, Puerto La Cruz, Coro, Porlamar, todas y cada una de las frecuencias de Radio Caracas Televisión, canales 2, 3, 7 y 10 como se promocionaba en esa época, estaban llevando la señal a todo el país. En Caracas, el Gobernador de la ciudad, Carlos Guinand Baldó había dado la orden de instalar pantallas de televisión o pantallas gigantes en sitios como la Plaza Bolívar, el Centro Simón Bolívar, Plaza Venezuela, Sabana Grande, Chacaito, Redoma de Petare, 23 de Enero, La Pastora, El Valle y demás puntos de la ciudad así como en sitios públicos como tiendas por departamentos, hospitales, estaciones de policía, etc., para que ninguno se quedara sin ver esta hazaña.

En ocasión de los 30 años de Radio Caracas Televisión en 1983 y publicado en un encarte del periódico El Diario De Caracas, el periodista y teórico de la comunicación Antonio Olivieri relataba una anécdota con relación a este día; la misma se refiere a que tuvo que salir esa noche para llevar a un familiar de emergencia al Puesto de Socorro en la Esquina de Salas, parroquia Altagracia –en la actualidad es donde se encuentra el edificio sede del Ministerio de Educación–. Y además de asombrarse porque en el Puesto habían televisores encendidos, también lo fue el hecho de ser el único habitante en las calles que se encontraban desiertas. No por nada, hace poco se hizo una encuesta para saber cuál era el evento televisivo más importante de todos los tiempos y el ganador fue… Apollo 11.

Antes y Después del 20 de Julio de 1969
Si de algo puede vanagloriarse Norteamérica es que a las 10:57 PM EDT de este gran día, había ganado la carrera espacial contra la Unión Soviética en cuanto a colocar un hombre en la Luna, aprovechando el sino de incompetencia, burocracia, celos, envidias, fatalidades, falta de voluntad y demás circunstancias que rodearon al programa espacial soviético. Sólo tiempo después con la caída del Comunismo se supo que ellos tenían la intención de llegar primero que los norteamericanos.

Pero además y luego de 6 vuelos adicionales al Apollo 11 –incluyendo la fallida misión del Apollo 13– la Humanidad dejó de ir a la Luna. Es sabido que el interés del público bajó sustancialmente luego de la novedad inicial, pero además y a raíz del alto costo económico que conllevaban las misiones Apollo junto con el gasto grosero que Estados Unidos hacía en la no ganada Guerra de Vietnam, se paralizaron las misiones y quedando las mismas como fechas claves en la exploración espacial, aun cuando el anterior Presidente de los Estados Unidos George W. Bush haya anunciado que para el año 2020 regresaríamos a la Luna y luego a Marte, todavía sigue viéndose como algo lejano, por lo que es necesario que se empiece desde ya a unir a la Humanidad en una causa común a todos por igual.

Más sí algo es innegable, es que estuvimos en la Luna en un día histórico de 1969 alcanzando la gloria y elevando el espíritu del ser humano hacia lo más grande y lo mejor que este tiene. Horrores como los cometidos por los nazis, las purgas stalinistas, las guerrillas, las matanzas, los males y los vicios del Hombre a lo largo de su tránsito por el planeta palidecen ante lo épico, lo magno y lo monumental que simbolizó la misión del Apollo 11, el logro más grande de la Humanidad, representado en las figuras de Neil A. Armstrong, Edwin E. “Buzz” Aldrin y Michael Collins, los equivalentes contemporáneos de Cristóbal Colón, Fernando de Magallanes y Charles A. Lindbergh.

No estaba vivo entonces, pero el sueño infantil de un servidor era caminar sobre la Luna.
El ídolo de mi infancia era Neil Armstrong.
Y nunca ha dejado de serlo.
¡Gracias Neil, Buzz y Michael por enseñarme a soñar!
¡Que Dios los bendiga siempre!

Los Cerros

En 1985 los cronistas y críticos de televisión en Norteamérica pontificaban sobre un hecho: el carácter de rockola que tenía en ese entonces el canal Music Television, MTV, al emitir contenido musical sin producir programas propios, si bien para entonces se habían efectuado dos entregas de Premios MTV, y ese era precisamente el atractivo que tenía el medio por encima de otros canales. Es por ello que al año siguiente se estrena el concurso “Remote Control” y al paso de los años inaugurarían la televisión real con “The Real World”, haciendo paulatinamente la migración de ser un canal musical y diferente para convertirse en otro más del montón.

Hace un par de semanas en uno de tantos programas de Real TV derivados del concepto de MTV y transmitido por NBC llamado “I’m A Celebrity. Get Me Out of Here”, suerte de “Survivor” mezclado con las Olimpíadas de la Risa, se mostraba a un pareja de nombre Heidi y Spencer quienes salieron de una isla por supuestamente no adaptarse al entorno de la misma. Luego fueron entrevistados por el presentador y meteorólogo del “Today Show”; también de NBC, Al Roker, con quienes ambos tuvieron un altercado. Esto fue potenciado al hecho de que aparecían constantemente en diferentes programas de espectáculos, todo ello sin ser celebridades de alto wattiaje. Al averiguar más sobre ambos, descubrimos que venían de un programa de MTV llamado “The Hills.” En parte por curiosidad y en parte por saber cuál era el alboroto causado por ellos, nos sentamos a ver una edición del programa. Y la experiencia no podría ser más que extracorpórea, pero no por lo bueno, sino por lo malo.

¿Qué es “The Hills”? En cuatro palabras, una telenovela para adolescentes. Si de algo hay que temer, no es el que se implanten tiranías gubernamentales, sino tiranías de mal gusto y pésimo mérito artístico, mismas que son responsabilidad de Televisa por haber creado telenovelas para todo público, todas cortadas bajo el mismo patrón. Sólo que el entorno cambia de la Laguna de Chapulepec a las calles de Los Ángeles, musicalizado con fragmentos de artistas pop, pop rock y hip hop. Además, el programa es un derivado de otro que vino primero que éste, de nombre “Lacuna Beach” y ambientado en Orange County, al norte de la misma ciudad y suerte de versión MTV de la serie “The OC”, también para adolescentes.

La premisa del programa es tan simple que raya en lo submental: mujeres saliendo de la adolescencia viviendo en los Hollywood Hills que trabajan en empleos corrientes o son pasantes de la revista “Teen Vogue” –un detalle: pasantes de moda que ganan por debajo del sueldo mínimo que gastan en artículos de lujo, fiestean en discotecas todas las noches y vacacionan en sitios paradisíacos– que se comportan como adolescentes cuando los novios las tratan mal, y como prostitutas cuando están de buenas con ellos. En resumidas cuentas, Televisa se fusiona con MTV. Si bien la única diferencia con la primera está en que las protagonistas del programa trabajan con sus nombres reales sin hacer un personaje, el esquema es tan telenovelesco que hace parecer a Delia Fiallo similar a Federico García Lorca. Y tratar de entender las relaciones de los personajes es tan absurdo que puede terminar provocando dispepsia por lo insulso: “la una que no es amiga de la otra que antes eran, pero ahora no porque el novio habló pestes de ella, siendo también un mujeriego que no se sabe de dónde saca el dinero para mantener semejante estilo de vida, al igual que las amigas de cada una que son poco más que brujas que hablan maravillas al frente de unas y terminan apuñalándolas apenas se dan la vuelta…” Si lo anterior no les pareció truculento, sí es verdad que es totalmente inmaduro.

Pero lo que en verdad llega a lo telenovelesco mexica está en el elemento de mostrar cada vez que aparecen los personajes en pantalla, colocarles en generador de caracteres el nombre de cada uno, del mismo modo que en la televisión mexicana se ponen los nombres de cada actor y su personaje cuando comienza una telenovela. Siempre hemos creído que esta conducta se debe a dos motivos: a lo olvidadizo que es el público mexicano o a que los productos que salen por su pantalla son tan malos y sus actores tan pésimos que provocan olvido en el espectador. Y por extensión se aplica a “The Hills.”

Todo lo mencionado antes es motivo suficiente para no ver el programa más nunca. Y lo verdaderamente absurdo es que ya se generó otro show derivado de este llamado “The City”, pero ambientado en Nueva York, con lo cual presumimos que si el anterior es malo, este derivado debe ser peor. Si de verdad quieren hacer algo original, háganlo aquí en cualquier cerro de la ciudad de nombre “Los Cerros” con Yuleisi, Yusmairi, Yubiráisi, Rocguel y Guarisyorneim como protagonistas. Al menos sería mejor y más realista que “The Hills.”

“I Want My MTV!” –Y no es broma–.

“The Hills” se transmite –no sabemos ni nos interesa– por MTV, pero suponemos que debe ser todo el día en toda la banda horaria del canal.

Noticieros de Cine en Televisión

Antes de que la televisión copara el mundo del entretenimiento a partir de la década de los 50 del siglo XX, además de la prensa escrita y la radio, el cine era el vehículo para la transmisión de noticias, con el añadido de contener imágenes en movimiento y sonido en una ventaja tecnológica por encima de los dos medios antes mencionados.

Con la expansión televisiva desde la década en cuestión magnificada por la llegada de las transmisiones vía satélite y llevada al máximo en la televisión por cable, se hizo poco menos que absurdo el transmitir noticias proyectadas en la pantalla de plata, conocidas por el término newsreel, que traducido significa rollo de noticias; ahora la ventaja tecnológica iba del lado de las cajas de luces y cables caseras por el factor inmediatez del suceso en vivo y en directo.

Obviamente el cine seguiría con sus filmes y con sus trailers. Pero ¿qué hacer con el personal, los equipos y el tiempo antes destinado al noticiero cinematográfico, particularmente en estas tierras? Sencillo. Se replantean los contenidos y así nace en la década de los 60 el noticiero de cine venezolano.

Tanto Bolívar Films como Cinesa y en el pasado Tiuna Films (célebre por su tema musical introductorio y de despedida muy a lo John Barry), las empresas cinematográficas del país deciden continuar con sus espacios noticiosos; ahora bajo el remoquete de “noticias institucionales.” Con la salvedad de los clásicos “Petróleo En Gotas” –todos con música del disco “Equinoxe” de Jean Michel-Jarré– realizados por la petrolera Maraven en los 80, el 99% de los noticieros de cine tenían, y tienen esta etiqueta. Ahora bien, ¿qué son para ellos noticias institucionales?

Traducción: esto es, reseña de sociedad trasladada en movimiento. Lo que cualquiera podría hacer con una Handycam o una cámara digital en estas épocas, se desaprovecha la película de 35 mm. para narrar en off inauguraciones de locales, apertura de edificios, lanzamientos de artículos que no son de primera necesidad, en ágapes donde el compromiso por usar tacones ellas, y corbatas ellos, se mezclan con vino blanco barato, pasapalos de yuca frita con chicharrón y música acorde al signo de los tiempos: si era en los 80, tecnomerengue, si era en los 90 meneíto con Sandy y Papo en orquestas engoladas, si es en estos tiempos reggaetón versión geriátrico. Y la sensación que desde siempre ha producido en los espectadores es aquella de que están mostrando una fiesta mala que pasan por buena, con el agravante de tener que verla antes de la película por la cual uno pagó una entrada.

A manera de información les pasamos el dato. En Norteamérica y en Europa está TERMINANTEMENTE PROHIBIDO el pasar comerciales hechos para televisión o noticieros de cine como los que mencionamos antes de una película. La única publicidad aceptada son trailers de próximos estrenos o promociones de programas de televisión hechos en 35 mm. Célebre fue en agosto de 2006 para la promoción de la serie “Heroes” de NBC, asociada con Universal Studios, en que se creó un trailer exclusivo de 4 minutos, con lo que se generó un gran interés en el programa. Pero ver allá comerciales de Arby’s, KFC o McDonalds es poco menos que impensable, además de ser sancionado con multas millonarias por la FCC (Comisión Federal de Comunicaciones) de Estados Unidos.

Pero peor que el hecho de ser estos noticieros de cine tan sui géneris, es más todavía cuando el formato sin modificación alguna se pasa por televisión; de allí el título de este artículo. En plena década de los 80, Radio Caracas Televisión “inauguró” el tema con los sosos “Publi Tips”; o cómo ser espectadores de una masturbación audiovisual por el hecho de autoalabarse las agencias de publicidad, las empresas, los comercios y los dueños de los anteriores. Pareciera que no se conformaran con el hecho de comprar espacios en televisión en las preventas anuales, algo así como comprar a ciegas, para que además transmitan algo que es sólo para sus ojos, no para el espectador promedio y pensante.

Y los productos siguen siendo los mismos, el ambiente que transmite la cámara es poco más que aburrido por más que se empeñen en hacer ver que están gozando un mundo, la voz engolada del locutor en off sigue diciendo barbaridades como: “en un grato (nadie va a decir ingrato) ambiente de cordialidad y buena voluntad… representantes de la empresa y de las fuerzas vivas del país (si estuviesen muertas no habrían ido a esa fiesta mala)… vinculados a estimados hogares de la sociedad (no hay hogar malo al igual que los muertos)… anunciaron el lanzamiento de (ni que fuese pelota de baseball)… X, belleza con resistencia de piedra (es de la marca de baldosas Balgrés, aunque ese slogan sirve hasta para anunciar quitabarros de la cara).” Además de esa sarna que ataca las pantallas de televisión locales, su efecto infectocontagioso contamina al resto de la programación mediante la figura de los programas sobre vida nocturna, pero eso será tema para dos artículos futuros sobre estos desperdicios de onda hertziana y sobre la llamada “vida nocturna.”

¿Qué se le puede recomendar al espectador promedio cuando sea invadido con semejante acto de autoalabanza? Pues sencillo, cambie de canal o apague el televisor. Y para los que quieren que los demás que no fueron invitados a su fiesta vean que gozaron una y parte de otra, graben todo en video y postéenlo en You Tube o en Facebook, sale más barato. Pero si aun así quieren hacerlo del modo de noticiero de cine, pues apliquen la de Pedro Picapiedra con sus películas caseras: muéstrenlas sólo a sus amigos y a sus enemigos; a la final, todos van a huir para no volver.

Hannibal Lecter Se Mudó A Miami

Para aquellos que han seguido la cronología de la creación maestra del escritor Thomas Harris, deben de recordar que el personaje más emblemático de su literatura –cual es Hannibal Lecter– originalmente ayudaba a la policía a atrapar asesinos en serie siendo él mismo un gourmet en los cortes de carne humana; esto, hasta que el detective Will Graham lo captura a riesgo de su propia vida en la novela “Red Dragon”, y aun estando bajo custodia ayuda a este último a atrapar al asesino Toothfairy. Hazaña que repite en “The Silence Of The Lambs” cuando apoya a Clarice Stalling a capturar a Buffalo Bill. En ambas obras el elemento particular era el que un asesino en serie ayudara a las fuerzas del orden a dar con el rastro de otro criminal. Y esta premisa es la que sustenta la recientemente estrenada serie del canal ShowTime “Dexter.”

Al igual que en el caso anterior donde cada libro de Harris fue llevado al cine de la mano de Brett Ratner, Jonathan Demme y Ridley Scott, para seguir con la cronología literaria, “Dexter” se basa en la novela “Darkly Dreaming Dexter”; primera sobre una serie de libros en base a este personaje, del escritor Jeff Lindsay –pseudónimo literario del novelista Jeffry P. Freundlich–. La misma (y por extensión, la serie) se basa en la vida de Dexter Morgan, el cual no se conoce su origen ni el por qué fue abandonado por sus padres biológicos, y que eventualmente fue adoptado en su infancia por un policía de la ciudad de Miami quien le inculcó valores morales. Pero intrínsecamente, Dexter tenía compulsión por matar; en un principio animales, pero que por efecto de la crianza terminaría convirtiéndose en un asesino en serie con una serie de normas: no asesinar menores de edad, ni por el puro placer de matar; sino que sus crímenes serían cometidos contra personas que se hayan escabullido de los vacíos del sistema judicial o que hayan quedado impunes en sus fechorías, en un acto de profilaxis contra las escorias que abundan en la sociedad y sumado a sus inseguridades en cuanto a relacionarse con otras personas, o establecer intimidad con el sexo opuesto. La ironía del asunto es que Dexter trabaja como forense en la policía de Miami, y hasta la fecha sus crímenes han quedado sin ser descubiertos. Como un agregado a su condición, antes de asesinarlos mientras están conscientes, toma una muestra de sangre y la conserva en su apartamento como una suerte de trofeo de sus víctimas.

Esta primera temporada que recién se estrena en Latinoamérica por Fox, incluye como una subtrama una serie de asesinatos en serie cometidos por otro criminal que conduce un camión cava y en el cual las victimas son descuartizadas y desangradas hasta quedar completamente secas. Las mismas son dejadas en sitios públicos y desarmadas cual rompecabezas. El giro que tiene este argumento se refuerza con la admiración de Dexter por el trabajo de este asesino y el conocimiento de este último por lo hecho por el protagonista. A esta trama central se suma la hermanastra de Dexter que trabaja también en la policía y que sufre discriminación por parte de su superior, los compañeros que van desde un latino –hay pasajes largos en que se habla español puro– hasta un oriental, la pareja de Dexter quien es madre de dos niños, ex esposa de un traficante y ladrón y que sufre de una frigidez crónica que le impide un grado de intimidad sexual con él. Todo esto se suma a la doble identidad del protagonista, el cual y en una forma de conocer sus pensamientos (del mismo modo que Patrick Bateman lo hacía en “American Psycho”), recurre a la narración en off en primera persona.

Argumetalmente la trama es bastante sólida con ningún cabo suelto, con lo cual se puede entender que el libro original es bastante consistente y coherente. Así mismo la fotografía hace honor a lo logrado en el pasado en series como “Miami Vice” y “Nip/Tuck” en realzar los colores de la zona tropical norteamericana, con énfasis en la paleta del rojo cuando el muchacho de la película hace de las suyas. La edición se apoya en un enfoque cuasi teatral y literario en relación a los comienzos de cada episodio, con un título en un fondo negro del mismo modo en que se pasan las páginas de un libro, y en hacer flashbacks para conocer mejor al protagonista y el entorno en donde creció. En lo musical cabe destacar que hay una casi ausencia de música original incidental, siendo reemplazada esta por música afrocubana de décadas pasadas; tan solo en el primer episodio se escuchó a Benny Moré, Orquesta Aragón, Mario Bauza, danzón y cha-cha-cha.

La selección actoral es en esta ocasión destacada, empezando por el principal: Michael C. Hall, quien venía de trabajar en la serie de HBO “Six Feet Under.” Hall logra hacer a Dexter Morgan atractivo en cuanto a la psicología del personaje, aun cuando en el fondo sea un psicópata con todas las atrocidades incluidas en el empaque. Julie Benz se nota cómoda en su papel de Rita Bennett, novia de Dexter, si bien las características de su personaje no son lo más ideales para una persona. Jennifer Carpenter cumple a cabalidad con su papel de Debra Morgan al ser cumplida, aunque eso le signifique no ascender más de donde se encuentra. Erik King en su rol del Sargento Doakes es efectivo al transmitir que es el único en la fuerza de policía que siente escalofríos cada vez que Dexter se encuentra allí. Lauren Vélez demuestra una versatilidad al hacer de la Teniente María Laguerta una oficial de rango plagada de inseguridades escondidas tras una máscara de autosuficiencia. David Zayas hace de Ángel Batista el equivalente de Dexter en cuanto a la admiración por el arte de matar, sin el componente de tomar el arma con sus manos. Vincent Masaka viene a ser un peculiar experto forense que no pierde la oportunidad de lanzar piropos a Debra Morgan en medio de escenas de crímenes gráficos; este papel lo hace el actor C. S. Lee. Y en el viaje al pasado que hace Dexter en su memoria, aparece otro emigrado de HBO: James Remar (conocido por su papel del empresario hotelero Richard Wright en la serie “Sex And The City”), aquí hace el papel de Harry Morgan, demostrando en cada aparición fortaleza y moral, aun teniendo que admitir que la sed de sangre de su hijo es más fuerte que cualquier cosa que lo termine a la larga encauzándolo a ser una suerte de vengador psicópata.

Como citamos al comienzo, no es errado decir que un alumno aventajado de Hannibal Lecter decidió hacer carrera en Miami, por lo que puede entenderse que este último se ha mudado para allá. Y lo segundo está en lo vanguardista que se ha convertido el canal ShowTime al hacer programas y series más audaces y avanzadas que lo que hacía hasta no hace poco HBO. Si como citaban estos últimos que lo que hacían no era televisión, sino HBO, ahora hay que reconocer que lo radical está en ShowTime (valga la repetición y la cuña). Por lo pronto, apenas está comenzando en estas latitudes la primera temporada –en Estados Unidos van a comenzar la tercera–, así que no tienen excusa para no verla desde arriba. Lo cierto es que la serie “Dexter” no tiene desperdicio alguno. Hannibal puede estar tranquilo porque su legado está seguro.

“Dexter” es una producción C. S. Lewis, John Goldwyn y The Colleton Company que se transmite por ShowTime desde octubre de 2006. La tercera temporada se espera para este mismo mes en este año. La primera temporada se está transmitiendo censurada por CBS los días domingos a las 10:00 PM, y sin censura por Fox Latinoamérica los miércoles a las 9:30 PM. Para horarios de reposiciones, consultar su guía de programación.

Oportunidades Perdidas

En Spiff-O-Rama™ hemos estado opuestos a cualquier clase de censura de medios por parte de las llamadas fuerzas del orden, siendo más dados a la incorrección política por encima de la complacencia babosa y ramplona. Más si en algo estamos claros es que hay elementos que no parecen aprovechar las ocasiones de destacar para seguir nadando en las aguas de la mediocridad. ¿A qué nos referimos? A continuación les diremos de qué estamos hablando.

Cuando el 27 de mayo de 2007 se apagó la señal libre de Radio Caracas Televisión, desde el mismo instante en que se fue a negro el canal, borramos la frecuencia de nuestros televisores y en un artículo que publicamos entonces de extensión corta, hacíamos sentir nuestro apoyo a la emisora ante la represión y la censura. Por un par de semanas esperamos a ver qué iba a pasar con el canal, hasta que se hizo el anuncio de que RCTV entraría a la arena de la televisión por cable bajo el adjetivo Internacional, con lo cual si bien no era una vuelta al estado de cosas previo, sí era otra ventana para evitar lo monotemático que algunos canales se han puesto en cuanto a los contenidos que transmiten.

Del mismo modo que estábamos de acuerdo con que la televisora volviera, también nos suponíamos que ante la llegada a un medio diferente de ver programas, la programación subiría de categoría en un esfuerzo por competir con canales consolidados en este espectro tales como Fox, Sony Entertainment Television o Warner Channel, por mencionar tres de los fundamentales en cualquier oferta de los cableoperadores. Ya podíamos imaginar películas subtituladas, series en su idioma original, cambios en la grilla de programas, argumentos más o menos polémicos en su producción con temas adultos y en horarios variados; a fin de cuentas los grilletes de la ley mordaza no alcanzan –afortunadamente– ni a los canales pagos ni a los contenidos que estos transmiten.

Y puesto que era la primera vez que un canal de capital y talento local cambiaba de ambiente, decidimos darle el beneficio de la duda con un tiempo de gracia para ver si la oferta se hacía atractiva que hiciese que uno cambiara de canal para averiguar qué era lo que se transmitía por Radio Caracas Televisión. Desafortunadamente y pasado un lapso prudencial, nada ha cambiado, todo sigue igual de mal.

El problema que veíamos y vemos, no sólo a ellos sino al resto de los canales locales de televisión es la copia sin ambages de cosas que se hacen con gusto y clase en otras latitudes y que al ser trasladadas al entorno local pierden su encanto; no en balde el bodrio “Guerra De Mujeres” que en su momento transmitió Terrorvisión (canal 4) era una versión rancho de lo que magistralmente hacía HBO con el clásico “Sex And The City”; amén de la falta de celebridad y mucha de ordinariez que poseen las llamadas “estrellas” locales que aceptan hacer cualquier cosa sin siquiera revisar los estándares de calidad que por fuerza todo programa o producción televisiva debería de tener como mínimo; algo que desgraciadamente no ha poseído ni posee en fecha reciente Radio Caracas Televisión.

Esto se traduce en telenovelas con argumentos de moda en 1970, pero que no tienen validez en este siglo XXI –para muestra “Mi Prima Ciela”, remiendo malo de lo que en su momento fueron “Elizabeth” y “Maite” con el nefasto Hany Kawan corroyendo las ondas radioeléctricas con su aullido “Es Tu Amor”–; enlatados amarillentos de lo mucho que ya se han transmitido (“Terminator 2: Judgement Day” ya está casi blanco de lo seguido que se repite), y lo peor: doblados (¿sabrán que más de la mitad de la audiencia en cable posee conocimiento del idioma inglés así sea de kindergarten por decir lo menos?); producción local que acerca a la humanidad a los límites de su exterminio –¿hasta cuándo van a seguir “Loco Video Loco”, “Ají Picante” o “De Boca En Boca” en la pantalla o “¿Quién Quiere Ser Millonario?” con Eladio Lares (¡aahh!) como animador, si hasta el propio Regis Philbin (de la versión americana) no la siguió haciendo porque se iba a rayar–; y más nefasto aun, telenovelas que no tienen más de un año de su transmisión repetidas por segunda, tercera y hasta cuarta vez como si fuese la primera vez. Si esta es la imagen que vende el canal al extranjero, la misma tiene manchas y rayaduras en su superficie.

Y aclaramos que no es que lo que nos llega a las cajas de cables, ruidos y luces de nuestras casas proveniente del extranjero sea mejor (en especial México donde, salvo por las infinitas repeticiones de “El Chavo Del Ocho”, tanto Televisa como TV Azteca hacen parecer a nuestra televisión similar a la BBC o inclusive a HBO o Showtime), sino que también es una cuestión de intentar por lo menos ser diferente a la hora de promocionarse en televisión o aspirar a romper las normas de lo aceptado. ¿Se imaginan una telenovela a las 9 de la noche con Norkys Batista en un desnudo frontal por cuestiones del argumento? ¿O tratando el tema de las drogas desde el aspecto recreativo del asunto –tal como en producciones foráneas se hace; para ello ver “Weeds” o “Californication”, ambas de Showtime– hasta las consecuencias de un modo adulto? ¿Talk shows con clase y gusto a la usanza americana? ¿Películas foráneas, no solo de Estados Unidos, en su idioma original con subtítulos? ¿Programas de opinión y discusión de tono polémico? Como lo mencionamos unas líneas atrás, las rejas de la ley mordaza no han llegado, afortunadamente, a las costas de la televisión paga.

Que bueno sería que por primera vez un canal de televisión local tomase todas estas cosas y midiese la capacidad de riesgo y controversia que pueda generar para aplicarlas en la práctica. Desgraciadamente los ejecutivos prefieren irse por lo fácil y lo aparentemente “seguro” que arriesgarse a innovar y cambiar las reglas, con consecuencias fatales porque Terrorvisión, ante lo hecho por Radio Caracas Televisión, también se mandó con un versión Plus que debería de ser Minus porque es literalmente ver Univisión en estas latitudes. Por ello no creemos estar equivocados al decir que esta oportunidad está perdida desde el instante de su aparición, y que lo justo es que RCTV vuelva a su parcela radioeléctrica (parafraseando a ellos) Como Debe Ser.

Ya Nos Recuperamos De La Pea. Ahora Vienen Los Comentarios

Y han pasado un par de días desde que se entregaron por octogésima vez (nos costó aprender como decirla) los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas; Oscars™, o como lo quieran llamar. El Alka Seltzer ya curó los malestares causados por la champaña por las fiestas privadas, porque la de Vanity Fair no se hizo en la creencia de que la huelga de escritores seguiría por más tiempo. Pero por lo visto todas las partes se pusieron de acuerdo en un punto común: había que hacer la entrega y muchos de los huelguistas estaban nominados por lo que no se iban a perder el gusto de pararse en el estrado a recibir su premio y agradecer hasta al que pasea a su perro. Dejando de lado los apartes que rodean al premio, entremos en detalle.

Como mencionamos en su momento, estuvo más que merecido que “No Country For Old Men” ganara como mejor película, y el hecho de haber seleccionado a “There Will Be Blood” en nuestras predicciones iba en razón del criterio que ha prevalecido desde siempre en que la Academia premiaba en mayor proporción a filmes de categoría épica por sobre productos más directos, amén de que el año pasado “The Departed” (un film 100% de bronca, pleito y puñalada) se había hecho con el premio mayor por lo que no veíamos que el fenómeno se repitiera. Pero al parecer los rayos pueden caer dos veces en el mismo sitio, tanto en los filmes premiados como en los talentos galardonados: Martin Scorsese el año pasado, y Joel e Ethan Coen en esta edición. Por supuesto que es llover sobre mojado lo merecido que tenían ambos hermanos en ser premiados como mejores directores y por adaptar de manera sublime y sociópata la novela de Cormac McCarthy; aunque debieron de haber ganado en los momentos en que se estrenaron “Fargo” y “Blood Simple”, pero como bien dicen, tarde pero seguro.

Así mismo, vinimos a confirmar el año de los hombres en el cine, al hacer ambos actores papeles contundentes y monumentales; a saber, Daniel Plainview = Daniel Day-Lewis en “There Will Be Blood” con todo y acto de entrega de Su Majestad la Reina Helen Mirren (hasta cuando ella dice cojones es como si recitara a Jane Austen), y Anton Chigurh = Javier Bardem en “No Country For Old Men”, incluido recuerdos y saludos a la Madre Patria, y ¡olé! (no incluyó saludos para Penélope Cruz, así nieguen de parte y parte que son pareja).

Sentimos que al igual que con los Coen hubo justicia al ser reconocidos, también la hubo al premiar a Robert Elswitt por su trabajo en “There Will Be Blood”; uno de los mejores logros en cinematografía de fecha reciente, superándose a sí mismo inclusive.

Y en esta entrega de los Oscars™ hubo espacio para los batacazos y las sorpresas, esta vez por medio de las mujeres. Cuando ya nos hacíamos a la idea que Cate se llevaba el premio por hacer de Bob Dylan, viene Tilda Swinton y ni siquiera ella se lo cree al ganar como actriz de reparto en “Michael Clayton”, y no es que lo hiciera mal, por el contrario. Pero creemos –aun sin haber visto “I'm Not There”– que Cate mutó en Bob y que su papel es de antología. Al igual que si bien no ganaba nuestra favorita sentimental Julie Christie, al menos dábamos opción a Cate de nuevo por hacer de la Reina Elizabeth I Tudor, para que también Marion Cotillard tampoco se lo creyera al ganar como actriz principal por su papel de Edith Piaf en “La Vie En Rose”, película que según muchos críticos fue vilipendiada por ser otro biopic más, sólo que en francés.

Y si los Coen lo lograron al ganar por mejor guión adaptado, también nos complació que Diablo Cody ganara por el guión original del film “Juno”, a la vez que descubríamos que ella fue stripper y que en una obsesión fetichista nos gustan las mujeres tatuadas desde las cheerleaders del video clip “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana, llegando en fecha reciente a Amy Winehouse, y teniendo como nuevo objetivo fetiche a la Diablo. Si el diablo es como ella, aceptamos lo que nos pida.

En esta ocasión fueron más los fallos que los aciertos, con una excepción a este hecho: el Oscar™ a la mejor película extranjera lo dimos a Austria por “The Counterfiters” y la pegamos; pero en la práctica erramos el cálculo al dar como ganadoras unas y perder otras. Lo más evidente fue en los renglones técnicos donde dábamos como felices ganadores a “Transformers”, "Pirates of the Caribbean: At World's End", "There Will Be Blood", "Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street", "The Kite Runner", “No Country For Old Men”, "Transformers" y "American Gangster" en los renglones de mejores efectos visuales, maquillaje, edición, diseño de vestuario, banda sonora, edición de sonido mezcla de sonido y dirección de arte, respectivamente. No sabíamos que la Academia se iba a rendir ante “The Bourne Ultimatum” en lo técnico, en "Elizabeth: The Golden Age" por el vestuario, en “La Vie En Rose” por el maquillaje, “Atonement” por la banda sonora y en “Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street" en la dirección artística; eso sin contar las galardonadas en los cortos y largos documentales y cortos animados; a fin de cuentas ningún distribuidor local trae estos materiales para que uno pueda juzgar con base. Más es menester reconocer que los más de 6.000 miembros de la Academia no se ven todas y cada una de las películas nominadas sino cuando ya han votado y en momentos de relax, así que estamos a mano ellos y nosotros.

Pero hubo algo que nos dejo con los ojos tuertos. Y es en la categoría de mejor largometraje animado al ganar “Ratatouille” por sobre “Persepolis.” Cuando dimos la razón para que la segunda ganara sobre la primera era para descansar por primera vez en años de la animación 3-D tan característica y tan copiada por otros que hace Pixar Animation Studios, a favor de las dos dimensiones pictóricas de este film francés, más avezado en argumento e historia. Y en el proceso recordamos que no hemos visto ninguno de los dos filmes; uno porque nadie lo ha traído a estas tierras (al igual que los cortometrajes y largometrajes documentales); el otro porque estamos negados a esa mala maña de retardados mentales, sadomasoquistas pedófilos y asesinos en serie que exhiben los largometrajes animados doblados al español con lo que se disfruta sólo el 5% del total si se ve en una sala de cine. ¡NO! Hasta que alguien tenga los suficientes y enormes cojones (cortesía de Su Majestad Helen Mirren) para arriesgarse a pasar de principio a fin una película animada de Disney, Pixar, DreamWorks o quien sea en su idioma original y con subtítulos. Así SÍ volveremos a las salas de cine.

No nos preocupamos por si la acertábamos o no en la categoría de mejor canción, aunque nos sorprendió un poco que no ganara alguna canción del film “Enchanted.” Pero seamos honestos. ¿Por lo que han leído hasta ahora ustedes nos ven con aspecto de ir a ver La Cenicienta versión 2007 acción en vivo? No, ¿verdad? Por eso nos tenía sin cuidado este renglón, sólo lo cumplimos como una formalidad y un deber de establecer ganadores en cada categoría.

Con relación al show, sólo habría que agregar que a diferencia de la primera vez hace dos años, en esta ocasión Jon Stewart se vio algo perdido, salvo en aquello de leer las nominadas a mejor embarazada que ganó Angelina Jolie, así como en anticipar el futuro que viene al satirizar que veía en un iPhone “Lawrence Of Arabia.” Lo más factible es que considerando la resolución tardía de la huelga de escritores, tanto él como el equipo de guionistas no tuvieron tiempo de desarrollar chistes a tiempo; esto para no mencionar el plan B que la Academia tenía bajo la manga en caso de que la huelga hubiese seguido: el mostrar clips de premiaciones pasadas. El asunto está en que en vez de elaborar material nuevo transmitieron lo que tenían, por lo que pareció una secuencia interminable de ganadores del pasado. Y además, debido a la fecha que establecieron para el In Memoriam (del 1 de febrero de 2007 al 31 de enero de 2008) se pudo incluir a Heath Ledger en el video de homenaje, pero no a Roy Scheider quien falleció diez días después.

Al final, el conflicto de guionistas pasó, el Oscar™ se entregó y los agasajados se mezclaron con los coleados en las diferentes fiestas posteriores. Solo queda que el año próximo podamos acertar en la mayoría de las categorías, aunque si lográramos eso dejaríamos de escribir y nos meteríamos a videntes cual Herpes el Iluminado Enchumbado. Lo bueno ganó, lo no tan bueno también. Y esta aventura se repetirá otra vez en 365 días.

Dream Of Californication

En muchas oportunidades el fantasma del encasillamiento se cierne como una nube negra sobre los actores. No es secreto que muchos intérpretes que han hecho papeles que les sirvieron como trampolines para hacerse de un nombre y de la fama que lleva consigo, al terminar con su asignación se ven en el callejón sin salida de no poder asumir otros roles ante la falta de oportunidades por parte de quienes dan los papeles en producciones o por el factor de asociación que establece el público que no ve a su actor favorito haciendo otra cosa que no sea el papel que lo hizo famoso. Al menos así era lo que parecía con relación a la carrera de David Duchovny.

Si bien previo a su desempeño como el agente del FBI Fox Mulder en la serie “The X Files” ya había trabajado en otras producciones (destacándose en el film “Chaplin” de Sir Richard Attemborough y en la serie de televisión “Twin Peaks” de David Lynch donde hizo el papel de otro agente del FBI, pero en clave travestí), así como posterior a su trabajo en esta serie (en filmes como “Evolution”, “Zoolander” y en series como “Sex And The City”), es bajo la personalidad de este agente que se ganó la admiración del público alrededor del mundo, y al mismo tiempo el estigma de ser visto como un cazador de extraterrestres, conspiraciones y demás complots. Hasta que apareció “Californication.”

Esta creación que se transmite en Norteamérica por el canal Showtime y en estas latitudes por Warner Channel, en poco tiempo le ha significado a David el deslastrarse de ser visto como alguien convencional y formal, para ser considerado como un actor versátil y de actitud cool. Duchovny hace en este programa el papel de escritor Hank Moody; ser atormentado, mujeriego y con tendencia a la autodestrucción por medio del alcohol, la marihuana y las mujeres fáciles enclavado en Los Ángeles siendo oriundo de Nueva York, separado de su pareja por 10 años con quien tuvieron una hija en común, y en medio de una crisis de escritor que le ha impedido escribir otra novela que suceda a su éxito anterior de nombre “A Crazy Little Thing Called Love”, el cual fue llevado al cine y del cual no tiene buenos recuerdos.

Todo esto se entrelaza por el intento de recuperar la relación que tenía con su pareja en vísperas de ella contraer nupcias con otro, de lidiar con su hija púber y con la hija adolescente de su rival quien es poco más que ninfómana, de un agente que no sabe qué hacer con la carrera de él así como su vida matrimonial y una infidelidad galopante por parte de éste, y de sobrevivir en un medio corrompido cultural y estéticamente, lo cual simboliza Los Ángeles para todo aquél nacido en la costa este.

Desde el primer episodio, esta serie ha levantado polémica en los países donde se ha transmitido; en Australia grupos conservadores han solicitado la cancelación de la misma por considerarla ofensiva. Para muestra: en este primer capítulo, Hank Moody sueña que está en una iglesia y se encuentra con una monja con la cual tiene sexo en el altar. Esto, con el agregado de lenguaje soez, lujuria en cantidad y drogas a placer.

Y tal como mencionamos al comienzo, David Duchovny logra hacer un papel incluso más atractivo que el que hacía como Fox Mulder. De hecho, lleva al límite en más de una ocasión al personaje el cual puede ser una mezcla de poeta maldito con excesos. Una adición magistral está en la selección de Natascha McElhone como la ex novia de Hank, Karen, transmite el hastío de verse enredada en una relación que le garantizará estabilidad a costa de su felicidad. Madeleine Martin se destaca como Becca, hija de Hank y de Karen, al reflejar los problemas que conllevan el crecer. Evan Handler (conocido con anterioridad como el abogado Harry Goldenblatt en la serie “Sex And The City”) aquí hace el papel del agente de Hank, Charlie, un adicto al sexo con cualquier mujer, pero no con su esposa. Pero además de David, hay alguien que borra de plano la imagen inocente que de ella teníamos. Es el caso de Madeleine Zima, quien en el pasado hacía el papel de Grace Sheffield, hija del personaje de Maxwell Sheffield en la comedia de Fran Drescher “The Nanny”; ahora convertida en toda una ninfeta en su papel de Mia. De verla su anterior padre en la ficción, la manda de inmediato a encerrar en un convento suizo a perpetuidad.

En verdad que es agradable ver algo diferente en las pantallas que no sean sitcoms repetidos, programas blandos o falso suspenso que ni asusta ni asombra. Este “Californication” es eso; una verdadera fornicación visual cortesía de nuestro pana David Duchovny en complicidad con el creador de la misma, Tom Kapinos. Rememorando a los Red Hot Chili Peppers: ♪ Dream of Californication… Dream of Californication ♪

“Californication” se transmite los días lunes por el canal Showtime en Estados Unidos y los martes a las 11:00 PM por Warner Channel, con reposición a la misma hora los días domingos.

Señores… Buenos Días

Para algunos que nos leen desde el principio de este espacio, deben de recordar una pregunta que hicimos hace poco más de año y medio cuando una duda nos llamaba la atención, y que pasado este período no ha sido satisfecha. La pregunta era: ¿por qué no habían talk shows nocturnos en Venezuela?

Para refrescarles un poco en qué consiste este tipo de show, les mencionamos: talk show nocturno es aquél tipo de programa que se transmite pasadas las 11 de la noche en donde un anfitrión presenta los eventos más destacados del día satirizándolos, acompañado de un co anfitrión y de una orquesta; casi siempre el presentador se ubica detrás de un escritorio, tiene invitados de prestigio –la norma es dos personas en lapsos de entrevistas de 13 minutos aproximadamente–, presenta un número musical y se despide del público, todo ello frente a un auditorio en vivo siendo grabados al principio de la tarde para su posterior transmisión en la noche.

Así mismo, en ese momento dábamos posibles razones para su ausencia de las pantallas locales. Al parecer alguien en Globovisión leyó este artículo y pensó que lo podía hacer sin cumplir con las pautas del género, porque no se entiende que en las noches de semana de este canal salga en antena algo tan malo y de poco gusto como lo es “Buenas Noches.”

Empezando por el tipo de programa, suerte de pastiche de lo que era “Titulares De Mañana” con Orlando Urdaneta antes de emigrar por persecución política, mezclado con –valga la redundancia– entrevistas políticas, pero no en forma satírica o que genere risa por asociación o comparación al absurdo, sino en un tono tan serio que los empleados de funerarias tienen mejor humor que Francisco Bautista, Carla Angola o Roland Carreño. Ello para no agregar el factor de que el programa dura dos horas completas, como si no pudiesen resolver un tema en un negro de 12 minutos; además, ¿no creen que ya es suficiente con que el resto del día transmitan política, protestas y escándalos para que encima lo quieran incluir en las noches? Obviamente esto forma parte de una conspiración mediática (no las que balbucea la neoizquierda que también tiene su equivalente de nombre navaja de afeitar), del tipo: hay que hacer llorar y sentir mal a la gente a la hora de ir a la cama y al levantarse en las mañanas.

Aparte de lo anterior, está el factor de sectorizar el programa: la primera hora política; la segunda ligera. ¿Por qué no mezclar las dos? ¿Miedo a que la ley mordaza cierre el canal, lance multas millonarias o falta de sentido de humor? Y volviendo a lo mismo, dos horas son mucho para un programa nocturno, sin contar que en vez de ir a lo directo revolotean cual insectos luego de ser rociados con insecticida.

Y no conformes con lo anterior, el grupo de presentadores: Francisco Bautista –no lo llamamos Kiko porque Quico, tal como se escribe, sólo hay uno: Carlos Villagrán en “El Chavo Del Ocho”– tiene buenas habilidades para la prensa escrita, pero no cuaja en las ondas radioeléctricas, literalmente, no con reírse a carcajadas o lanzar gritos puede hacer que la gente se quede viendo el programa o que se despierte luego de dejar la televisión encendida por error. Carla Angola no está mal siempre que sea narrando noticias o haciendo reporterismo de calle, porque al igual que con Francisco Bautista, le falta chispa para satirizar o hacer reír por comparación ante lo absurdo que es la política nacional. Y lo que faltaba: Roland Carreño hablando de política es como si Buenos Aires Hilton ganara el Premio Pulitzer; esto para no citar el carácter poco glamoroso que tienen las “estrellas” locales que traen como invitados.

Una inquietud: ¿no saldría más barato contratar a un presentador agradable y carismático, a un segundo animador que refuerce al primero y a una orquesta en vivo y hacer el programa frente a un auditorio, e invertir el dinero ahorrado en traer celebridades, artistas de renombre y disponer de un equipo de escritores para producir un talk show nocturno como debe de ser? Esperemos que el que leyó el artículo anterior en Globovisión lea este y que tome nota para crear lo que la televisión venezolana se merece desde sus inicios: un programa bueno y con clase, no como este “Buenas Noches” que debería ser de mañana y renombrarse como “Buenos Días”, con el permiso de Sofía Imber.

“

Timing is everything.”
Johnny Carson, el maestro de los talk shows nocturnos.

El Mundo Recibió Amor 40 Años Atrás

♪ Amor, Amor, Amor.
Amor, Amor, Amor.
Amor, Amor, Amor. ♪

En julio de 1962 se dio inició, con el lanzamiento del satélite de comunicaciones Telstar, al primer servicio de transmisiones televisivas en vivo y entre dos continentes. Las primeras imágenes recibidas en Europa, concretamente en Gran Bretaña y Francia, fueron las del Vicepresidente de los Estados Unidos Lyndon B. Johnson, e inmediatamente el primer partido de baseball de Grandes Ligas en ser televisado en el Viejo Continente. Cinco años después el alcance de las comunicaciones por satélite era tal que abarcaba la casi totalidad del planeta. Es bajo esta premisa que se hizo historia 40 años atrás.

♪ No hay nada que puedas hacer que no pueda hacerse.
Nada que puedas cantar que no pueda ser cantado.
Nada que puedas decir pero puedes aprender cómo jugar el juego.
Es fácil. ♪

En septiembre de 1966 el productor de la BBC Aubrey Singer concibe la idea de utilizar los nuevos equipos de satélites para conectar las redes de televisión nacionales de países de todo el mundo. Bajo un plan de coordinación, se empezó ese mismo mes a hacer acuerdos con 19 países, entre occidentales y del entonces existente bloque soviético, para acordar en un día del mes de julio de 1967 transmitir una cadena televisiva mundial de dos horas y media, con el fin de fomentar la paz y una nueva era en el campo de las telecomunicaciones.

Las pautas que se establecieron fueron: la no participación de jefes de estado ni de políticos en la transmisión para ser lo más neutrales posible; todo lo que se transmitiese sería en vivo, prohibiendo en forma total el uso de videotape o de película; cada país que participase o que retransmitiese la señal tendría sus propios presentadores por motivos de diferencias idiomáticas; y los traductores doblarían el audio original si no estaba hablado en lengua nacional.

Para las coordinaciones técnicas se emplearon los servicios de más de 10.000 personas, entre técnicos, productores y traductores. Los satélites a ser usados fueron el Intelsat I, Intelsat II y ATS-1. El proyecto fue transferido a la Unión Europea de Radiodifusión (EBU), pero el control maestro de la transmisión se hizo en Londres en la BBC. La fecha acordada para el programa fue el domingo 25 de junio de 1967 a las 7:00 PM GMT (hora de Greenwich, Londres); 3 PM EDT (hora del Este de los Estados Unidos). Vale acotar que Venezuela no formó parte ni de la transmisión de contenidos ni de la recepción debido a que en el país no existían los equipos ni las antenas receptoras para captar la señal; una antena receptora sería adquirida por Radio Caracas Televisión en junio de 1969 para la transmisión de la llegada del hombre a la Luna.

♪ Nada que puedas hacer que pueda hacerse.
Nadie que puedas salvar que no pueda salvarse.
Nada que puedas hacer, pero puedes aprender cómo ser tú con el tiempo.
Es fácil. ♪

El slogan que BBC utilizó para publicitar el programa, el cual se llamó “Our World” era: “...por primera vez en la historia, conectar cinco continentes y poner al ser humano cara a cara con la humanidad, en lugares tan lejanos como Canberra y Cabo Kennedy, Moscú y Montreal, Samarkand y Södefors, Takamatsu y Túnez.” La televisión canadiense CBC lo promocionó como: “...una mirada al mundo en dos horas en este momento, al mundo hambriento, al mundo poblado, al mundo físico y artístico y finalmente, el mundo del mañana.”

Sin embargo el 21 de junio de 1967, a cuatro días de la transmisión, cinco países del bloque soviético –Polonia, Checoslovaquia, Hungría, Alemania Oriental y la Unión Soviética– se retiraron de la transmisión, produciéndose un boicot. El motivo era en protesta por la no condena de los países occidentales a la actitud de Israel en la Guerra de los Seis Días, acontecida a principios de junio. Debido a ello, la cifra de países se redujo a 14, y las naciones que recibieron la señal fueron 31 con un rango de teleaudiencia entre 400 y 700 millones, siendo para ese entonces el auditorio de televisión más grande de la historia, sólo superado el 20 de julio de 1969 con Neil Armstrong siendo el primer ser humano en pisar la Luna.

♪ Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor, amor.
Amor es todo lo que necesitas. ♪

Como ya se mencionó antes, “Our World” se transmitió para todo el mundo el domingo 25 de junio de 1967 a las 7:00 PM GMT. Lo primero en ser emitido fue la bienvenida desde los estudios de la BBC en Londres, para pasar al primer país: Canadá, en donde se entrevistó al teórico comunicacional Marshall McLuhan en el control central del canal en Toronto. A las 7:17 PM GMT se pasó a Estados Unidos con el segmento sobre la cumbre de Glassboro, New Jersey entre el Presidente de los Estados Unidos Lyndon Johnson y el Premier Soviético Alexey Kosygin. Debido a que las reglas de “Our World” estipulaban la no transmisión de políticos, sólo se televisó el exterior de la casa donde se efectuaba la reunión. El segmento norteamericano finalizaba con el presentador de la televisora pública National Educational Televisión, Dick McCutcheon hablando sobre el impacto de la tecnología de la televisión a escala global.

El programa volvió a Canadá a las 7:18 PM GMT con dos segmentos: uno sobre un ganadero arriando vacas en un rancho en Alberta, en el área de Lago Fantasma, y uno a las 7:19 desde la playa Kitsilano en Vancouver, distrito de Point Grey en la Columbia Británica. A las 7:20 PM el programa cambió de continente, hacia Tokio, Japón, donde la hora local era las 4:20 AM. El canal que emitió la señal era la NHK y mostraba la construcción del sistema de metro de Tokio. Luego se cambió a Túnez en África a las 7:37 PM con una transmisión desde un souk, o mercado árabe en la capital.

♪ Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor, amor.
Amor es todo lo que necesitas. ♪

A lo largo de la transmisión de “Our World” se hicieron pases a diferentes partes del mundo, tal como se mencionó, desde Estocolmo hasta Ciudad del Cabo, pasando por la NASA en Cabo Kennedy, Nueva York, París (donde se mostró el tráfico parisino y un ensayo de la Orquesta Filarmónica), Roma y muchas más ciudades. Es de destacar que la primera vez que en el programa se pasó la línea ecuatorial fue para ir a Australia, donde eran las 5:22 AM hora local; 8:22 PM GMT, siendo este el punto más complicado en la transmisión, debido a que las estaciones satelitales terrestres de Japón y Australia tenían que revertir sus acciones: Tokio debía ir de modo transmisor a modo receptor y Melbourne debía hacer lo opuesto. El presentador australiano Brian King explicó que por ser invierno en el sur, el amanecer era más tarde de lo habitual, por lo que se decidió mostrar el sistema de tranvías desde la estación de Hammer Street; más tarde antes de finalizar la transmisión se volvió a Australia, concretamente a Canberra con dos segmentos científicos: uno relativo a un laboratorio de comida que trabajaba toda la noche y el segundo desde el radiotelescopio Parkes para mostrar en vivo el objeto más distante del Universo captado por el mismo.



En balance general, “Our World” recibió críticas mixtas; unos alabaron el esfuerzo tecnológico y de la calidad de los contenidos emitidos; otros hicieron mención a que el programa era poco más que una clase para un alumnado mundial en el cual la escuela era el planeta. Sin embargo, en donde hubo consenso absoluto como lo mejor de la transmisión y que tuvo mayor audiencia en su bloque correspondiente, fue en el segmento en vivo en Londres a las 8:54 PM GMT; 4:54 PM EDT, desde el Estudio Uno de Abbey Road de EMI Records, Inc., donde se hizo historia junto con el programa y se estrenó un himno inmortalizado por The Beatles: “All You Need Is Love.”

♪ Nada que puedas saber que no sea sabido.
Nada que no puedas ver que no sea mostrado.
Ningún lugar donde puedas estar que no sea donde estés destinado a estar.
Es fácil. ♪

Para la representación británica, la BBC en la persona del productor Aubrey Singer comisionó a The Beatles para que aparecieran en el programa. Al principio estaban reacios a participar, como declaró Singer a la revista Air & Space/Smithsonian en 1996: “Me llevó más de 90 llamadas telefónicas, para que los dichosos Beatles participaran. Es que estaban tan obtusos, ¿me entiende la palabra que busco? No sentían que era importante para ellos. Gracias a Dios que los conseguimos, porque necesitábamos algo como esto para elevar el ánimo y el proyecto.”

Luego de conseguir que aceptaran, se les pidió que interpretaran una canción con un mensaje que pudiese ser entendido por todo el mundo por encima de las diferencias de idiomas. Ellos decidieron que iban a componer un tema especialmente para el programa en vez de tocar alguno de sus éxitos o de “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band” publicado 24 días antes. Siendo una composición de John, serviría para extender el mensaje que había introducido originalmente en la canción “The Word” publicada en el disco “Rubber Soul” de 1965; la palabra en la canción es amor. De acuerdo con Paul: “’All You Need Is Love’ fue una canción de John. Yo tiré unas cuantas ideas, lo mismo que los otros miembros del grupo...”

Del 19 al 24 de junio estuvieron en los Estudios Olympic en Barnes grabando y mezclando la canción como la querían, básicamente los compases básicos para ser usados como pista principal. El bajo de Paul, la voz de John, la guitarra de George y la batería de Ringo junto con la orquesta se tocarían en vivo durante el acontecimiento.

♪ Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor.
Todo lo que necesitas es amor, amor.
Amor es todo lo que necesitas. ♪

Antes de la transmisión ese día, The Beatles llegó temprano al Estudio Uno con la base instrumental del tema y posaron con carteles que tenían el nombre de la canción y la palabra amor en diferentes idiomas, mismos que serían utilizados durante el programa, a lo cual se dirigieron a sus cuartos para cambiarse de ropas. Aun cuando durante la transmisión transmitía un aire de indiferencia, en realidad John estaba muy nervioso debido al factor del tamaño de la teleaudiencia mundial; durante el tiempo previo al show le pidió a Paul que usara ropas verdes a manera de amuleto, luego de hacerlo, McCartney se la pasó buscando algo rojo por todo el estudio hasta que encontró un jarrón con rosas rojas afuera del camerino de George, Paul toma una de ellas y se la coloca en los audífonos durante la transmisión, no para seguir el tema de la presentación, sino como una forma de relajar a Lennon.

Todo el Estudio Uno de Abbey Road parecía una fiesta: además de los carteles, habían flores y globos, del mismo modo en que se había hecho cuando se grabó “A Day In The Life.” Para la transmisión en vivo, salvo Ringo que estaba detrás de la batería, los otros tres estaban sentados sobre taburetes y acompañados por una pequeña orquesta del estudio. A la vez, The Beatles estaba secundado por amigos para servir de coro a la canción al final de la misma. El mismo estaba conformado por: Eric Clapton, Keith Moon, Graham Nash, Marianne Faithfull, Kim McLagan y The Rolling Stones. A las 8:54 PM GMT las cámaras de la BBC difundieron el estreno mundial de “All You Need Is Love.”

♪ Todo lo que necesitas es amor (¡Todos juntos, ahora!)
Todo lo que necesitas es amor (¡Todos!)
Todo lo que necesitas es amor, amor.
Amor es todo lo que necesitas. ♪

Debido al carácter de “Our World” de ser una transmisión vía satélite para todo el planeta, The Beatles dieron a la canción un sentimiento internacional, comenzando con los acordes iniciales del Himno Nacional de Francia "La Marseillaise", e incluyendo diferentes fragmentos de piezas distintas durante el final, tales como “Invención En Dos Partes #8 en F” de Johann Sebastian Bach (transpuesta a G e interpretada en 2 trompetas piccolo), “Greensleeves” de Ralph Vaughan Williams (tocada por los violines), “In The Mood” de Glenn Miller (tocada por el saxofón), “Marcha Del Rey De Dinamarca” de Jeremiah Clarke y dos canciones de The Beatles parodiadas por John y por Paul, “Yesterday” y “She Loves You.”

La estructura de la canción es compleja en su sencillez. Luego del comienzo coral de “Love, Love, Love”, Lennon canta sus partes en un ritmo de 7x4; y en contraste el estribillo es en el sencillo de 4x4, con lo cual es una de las dos canciones en llegar al tope de las carteleras norteamericanas en un ritmo de 7x4; la otra es “Money” de Pink Floyd que aparece en el clásico álbum “The Dark Side Of The Moon.”

♪ Amor es todo lo que necesitas (amor es todo lo que necesitas)
Amor es todo lo que necesitas (amor es todo lo que necesitas)
Amor es todo lo que necesitas (amor es todo lo que necesitas)
Amor es todo lo que necesitas (amor es todo lo que necesitas)
¡Yee-hai!
Yesterday
Oh, Oh, yeah!
She loves you, yeah, yeah, yeah
She loves you, yeah, yeah, yeah ♪

Luego de la transmisión de “Our World”, John estaba disconforme de cómo sonó su voz durante el programa, por lo que días después regrabó su parte vocal para el lanzamiento del sencillo, ya que debido a la alta receptividad que tuvo la canción en todo el mundo, los cuatro decidieron que ese sería el próximo single a ser publicado.

Inmediatamente terminada la participación de The Beatles, su manager Brian Epstein fue entrevistado para conocer su opinión, una de las últimas en ser dadas por él antes de morir en el lapso de un mes, el 27 de agosto de 1967 por una sobredosis de barbitúricos, y siendo esta canción la última que ellos grabarían y editarían antes de dicho suceso. Éste declaro: “Fue una canción inspirada y en verdad querían darle al mundo un mensaje. Lo agradable sobre ella es que no puede ser malinterpretada. Es un claro mensaje diciendo que el amor lo es todo.” Cuando en 1971 a John Lennon se le preguntó si “Give Peace A Chance” o “Power To The People” eran canciones propagandísticas, él dijo: “Seguro. Al igual que ‘All You Need Is Love’...”

La canción fue publicada en el Reino Unido el 7 de julio de 1967 en el lado A; el lado B era “Baby, You´re A Rich Man.” De inmediato llegó al número 1 y permaneció allí por tres semanas. En Estados Unidos fue editada dos días después y duró el mismo tiempo en el tope, así como en los diferentes países donde se lanzó. En diciembre de ese año se reeditó en el disco de la banda sonora del film para televisión “Magical Mystery Tour.” En 1995 para el lanzamiento del especial de TV “The Beatles Anthology” se colorizó la actuación de ellos en “Our World” a partir de las fotografías tomadas ese día como guía; la transmisión original fue en blanco y negro.



Aun pasado el tiempo de su popularidad como canción, de haberse disuelto el grupo en 1970 y de los correspondientes fallecimientos de George Harrison y de John Lennon, “All You Need Is Love” se ha convertido tanto en un tema propio de la época en que se editó como en un himno a favor de la paz mundial sin caducidad. Al ser asesinado John en 1980, emisoras de radio en todo el planeta transmitían sin parar el disco “Double Fantasy”, la canción “Imagine” y este himno que cumple 40 años al igual que el programa que lo difundió y que marcó una era: “Our World.”

Por un instante en el tiempo, a las 8:54 PM GMT del domingo 25 de junio de 1967 el mundo fue uno y recibió amor de la mano de The Beatles.

♪ All you need is love.
All you need is love.
All you need is love, love.
Love is all you need. ♪

E! E! Ewww!

Desde su aparición en el mercado de la televisión por cable en Latinoamérica 10 años atrás, E! Entertainment Television ha venido a ser una ventana –como ellos mismos han citado– al mundo del entretenimiento en Hollywood, empezando desde sus comienzos en 1987 cuando se llamaba Movie Time y continuando en 1990 con el actual nombre.

Entre los muchos programas que han formado parte de la grilla del canal están, por citar unos cuantos: “Celebrity Profile”, “Wild On”, “Talk Soup”, los correspondientes “Live From The Red Carpet”, el noticiero “E! News” en sus versiones diaria y de fin de semana, y el programa más emblemático de todos: “The E! True Hollywood Story.” En cierta medida, E! Entertainment Television creó un hábito en el televidente al permitirle tener una opción cuando en los demás canales se agotan (y hay que aclarar que cosas como estas pasan en ciertas épocas muertas del año).

Más así como en su momento los cableoperadores de este lado del mundo eliminaron de golpe y porrazo los canales 100% de origen norteamericano por aducir ellos que culturalmente sus programas como tal no eran reflejo de los gustos de la audiencia de esta zona –una soberana demostración de imbecilidad y de chaborrismo non plus ultra, porque esto que dicen es la razón principal para que la gente adquiera y pague televisión por cable: ver programas y anuncios publicitarios diferentes a lo que se acostumbra en las señales abiertas–, así mismo convierten con la complicidad de las casas matrices estas señales en versiones “tropicalizadas” dignas de repúblicas bananeras.

Por ello, desde 1993 se tiene MTV Latinoamérica, tan malo como lo que ha derivado la señal original, canales de cocina en donde se aprende a quemar comida, HBO sin la sustancia que posee el original de Estados Unidos, Cinemax en igualdad de condiciones, CNN en inglés británico y no en su versión USA y Disney Channel en versión zacateca. Esto para no mencionar la ausencia de los canales principales de Norteamérica –ABC, NBC y CBS–, y mucho menos los nuevos en el panorama: Fox Network y CW (fusión de las anteriores UPN y WB Network). Y tal como ha sucedido con los anteriores, sólo faltaba E! Entertainment Television.

A partir de esta semana que comienza (del 18 al 24 de junio del año en curso), además de cambiar de horario programas que ya han creado hábito en la audiencia, el más notorio es el de “The E! True Hollywood Story” que de las 9:00 PM HLV ha pasado a las tardes en un acto de brutalidad e irrespeto para con los espectadores, han incluido reality shows que ya pasan a ser economy shows por lo barato en cuanto a la producción y a la calidad inherente a estos. “Dr. 90210” debería de ser pero con los protagonistas de la serie “Beverly Hills 90210”, Shannen Doherty y Tori Spelling incluidas dentro de la sala de operaciones; “Girls From The Playboy Mansion” debería de transmitirse SIN CENSURA ALGUNA y con argumentos, de seguro y las conejitas saben actuar; y eso sí, NO PASEN en su “X” temporada “The Simple Life”, o tal vez sí, con Chapultepec Hilton en la cárcel compartiendo celda con la obesa de Nicole Ritchie.

Si de por sí esto ya es molesto, el summum de la decadencia del canal está en el cambio de “E! News” , y no es que la versión americana sea mejor, sino que ya uno se había formado el hábito de ver en un tiempo a Jules Asner y a Steve Kmetko en vivo dando las noticias, y en fecha reciente a Guilanna De Pandi y a Ryan Seacrest (alias Crest Sabor Marino) informando sobre lo que acontecía en Hollywood; a cierta hora uno sabia que vería en directo y sin subtítulos lo que estaba pasando, y a renglón seguido venía “The Daily 10.”

Así mismo, no es que estemos en contra de Daniela Kosán, para nada; es más, nos parece que está muy mami. Pero de allí a dar las noticias en versión tropicalizada todos los días, no. Y menos todavía con el monigote que le pusieron como co anfitrión. Ah, y las noticias son de un día antes, lo cual viene a ser como la canción de Héctor Lavoe: un periódico de ayer. Oh, y el noticiero es hecho en Latinoamérica y no en la meca del cine. Y sí, por una noticia sobre celebridades de alto vuelo hay 10 sobre talentos mediocres y nada célebres.

Esto nos lleva a preguntar: ¿acaso E! Entertainment Television Latinoamérica cree que en estas fronteras hay celebridades del calibre de las que hay en Hollywood? ¿Gloria Trevi es equiparable con Nicole Kidman? ¿Las alfombras rojas de estos lados son glamorosas comparadas con las de la meca del cine? ¿Andrés García equivale a Clint Eastwood en estas tierras? ¿Luis Chataing es acaso David Letterman? ¿Natalia Lafourcade es Björk? ¿O Café Tacuba es U2? Señores, si quieren buscar celebridades vayan a las páginas de Internet dedicadas al entretenimiento. Y si están acostumbrados a la estética del canal en su versión gringo cat y ver anuncios comerciales de productos de allá donde la novedad, la variedad y no la escasez son la norma y el derecho de escoger, hagan clic en www.eonline.com

Si en verdad quieren introducir un cambio para bien, al menos en el caso de “E! News”, deberían de colocar a dar las noticias diarias directamente desde Los Ángeles a la ya mencionada Daniela Kosán y a Norelys Rodríguez en vivo a la orilla de la piscina de cualquiera de los hoteles del área, en bikini. Garantizado que los ratings se irían a la estratosfera. Y eso sí, ESTRICTAMENTE celebridades A1, no versiones patéticas. Cuando estas empiecen a ganar $ 20 millones por película, a mejorar su arte y a llenar arenas en todo el planeta, allí sí podrán aparecer en E! Entertainment Television porque por los momentos, de E! han pasado a ser "Ewww!"

Tony Vino Y Se Fue Sin Que Lo Hubiésemos Visto

Tal vez lo que vamos a decir a continuación pueda generar en nuestros lectores asombro y consideren que somos poco más que extraterrestres, pero es la pura verdad, no tiene sentido venir aquí a mentirles. A título muy personal, nunca hemos visto ni el primer ni los subsiguientes episodios de la serie de televisión “The Sopranos.”

Haciendo un auto análisis de por qué no lo hemos hecho, encontramos cuatro motivos de peso por el que el programa ha sido esquivo para con nosotros. En primer lugar, por el hecho de no poseer en nuestra oferta de cable la señal de HBO, canal donde se transmite la misma, y que su programación en general –al menos lo que se muestra para Latinoamérica- no amerita el esfuerzo y mucho menos el gasto de pagar extra por ver sólo un programa de televisión; allá aquellos que lo hagan, en lo personal no compartimos tal acto de despilfarro monetario. En segundo lugar, debido a que ningún club de video (oficial o pirata) poseen los correspondientes discos completos de las temporadas pasadas completas –valga la repetición-, con lo cual podemos inferir que ni los legales y mucho menos los quemados les interesa el programa como para ponerlos en alquiler o en venta; tal vez existan los que lo hagan, pero no ha llegado a nuestro conocimiento. En tercer lugar, porque si bien se ha exhibido en otros canales; Televen entre ellos, nos negamos absolutamente a ver “The Sopranos” doblados en mexica de Chiapas, cuando no es que son traducidos al portugués de Brasil bajo el nombre de “A Familia Soprano”, exponiéndonos a suponer que estamos viendo el Carnaval de Río de Janeiro en vez de una serie de mafia.

Y en cuarto lugar, y esto quizás sea lo más importante, porque desde siempre hemos tendido a ver a la representación del crimen organizado en el cine bajo tres ópticas: una como reflejo del momento histórico –la década de los 30- en las producciones de Warner Bros. de la mano de directores como Raoul Walsh y Howard Hawks y en actores como Edward G. Robinson, James Cagney, e incluso Humphrey Bogart. Otra visión tiene que ver con el carácter impuesto por Martin Scorsese en sus obras “Mean Streets”, “Goodfellas” y “Casino” en las figuras de Robert De Niro, Joe Pesci, Ray Liotta y Harvey Keitel entre los actores que encarnan el ideario creado por Marty en un enfoque del crimen si se quiere en clave pop. Y la última razón, la que más nos llega, está en el hecho de ver a la mafia en la pantalla como una épica magna sobre el sentido de la unidad familiar, la violencia rayando en lo operístico al nivel de las bellas artes, y en actuaciones que llegan a niveles monumentales; todo ello gracias a Mario Puzo, Francis Ford Coppola, Marlon Brando, Al Pacino, de nuevo Robert De Niro, James Caan, John Cazale, Robert Duvall, Talia Shire y Diane Keaton, de entre la cosmogonía que simboliza “The Godfather.”

Es por lo anterior y no por consideraciones de que no nos guste, los motivos por los cuales vemos a “The Sopranos” como otro programa más; no bajo las loas, alabanzas y epítetos como “el mejor drama hecho en la historia de la televisión” emitidos tanto por críticos de televisión, por el público y por parte de amigos personales, entre ellos los que conforman Spiff-O-Rama™. Y no es que menospreciemos el trabajo de James Gandolfini, por el contrario, nos parece que es un extraordinario actor en los papeles que le hemos visto desarrollar, y quizás su Tony Soprano sea la exégesis en su carrera actoral, pero hasta que no veamos la serie desde el principio no nos sentimos en la potestad de emitir opinión alguna.

Esto último puede que nos impida –o que los que lean esto consideren que estamos hablando pistoladas sobre lo que no hemos visto y sobre lo que no sabemos- emitir un juicio de valor sobre lo que fue el episodio final de la serie transmitido por HBO en Norteamérica el pasado domingo 10 de junio, terminando así con casi nueve años de transmisión y un estimado de 88 capítulos, 12 por debajo del mínimo requerido para entrar en el mercado de la sindicalización; es decir, retransmisiones en otros canales que no sean HBO. No haremos aquí la labor de decir cómo fue que terminó; para eso, amantes de la serie, esperen hasta septiembre cuando la versión Latinoamérica empezará a transmitir esta última temporada.

Lo cierto es que el consenso general consideró que el mismo fue algo extraño, casi similar a la escena en “The Godfather” de la reunión en el restaurant donde estaban Michael Corleone, Tony Clemenza y el jefe de policía. La música que suena en esta toma final de la serie es la canción de Journey “Don’t Stop Believing” y la atmósfera es de suspenso. Algunos concluyeron que fue abrupto y que fue ni feliz ni cruel, sino imperfecto. ¿Qué pasó con Carmela, Meadow y A. J.? ¿Qué hará Phil Leotardo? ¿Acaso Tony pactará con los federales? ¿Terminaría el psicoanálisis con la Doctora Melfi? Sabemos cómo terminó, pero no caeremos en decirles cómo fue, como dijimos, esperen a septiembre. Y por la misma razón no estamos mordiéndonos los labios por decirles debido a lo que puntualizamos al comienzo, no hemos visto ni un solo episodio.

He allí por qué este artículo se llama así: porque Tony (Soprano) estuvo aquí (en la señal de HBO) por años, se fue, y no llegamos a verlo, ni a conocerlo. Ojalá y si la serie entra en el mercado de la sindicalización, podamos verla tal cual como se debe, desde el principio hasta el final, sin doblajes, y sin editar la violencia que la hizo tan popular entre muchas personas. Si es cierto que el crimen no paga, esperemos que en algún momento nos paguen la deuda que tienen para con nosotros en cuanto a conocer a “The Sopranos.” A lo mejor nos hemos estado perdiendo de algo muy bueno.

¿Korn Unplugged? Mejor Hubiese Sido Plugged

Créanlo o no, la inspiración para crear el programa “MTV Unplugged” no vino de algún creativo televisivo que lo inventó en un alarde de genialidad. Y aun cuando no nos guste el artista para nada, nobleza obliga, y hay que reconocer que esa interpretación en particular fue muy buena. “MTV Unplugged” se creó a raíz de la actuación de Jon Bon Jovi y Richie Sambora cantando y tocando acústicamente “Wanted Dead Or Alive” en los MTV Video Music Awards de 1989, y el resultado fue tan bueno que el canal dio luz verde para crear este programa. El primero de ellos se estrenó el 26 de noviembre de 1989 con la banda Squeeze, Syd Straw y Elliot Easton como primeros invitados.

Al paso del tiempo cualquier artista contemporáneo que se preciara hacía un recital unplugged, bien para MTV o para su propio ego, aunque como dijo muy certeramente Dee Snyder, líder vocal de la agrupación Twisted Sister en el documental “Heavy. The Story Of Metal”, y citamos: “...y encima Tesla saca un disco unplugged... ¿Unplugged? ¿Desde cuándo la calidad musical se mide porque un artista toque desenchufado? Quisiera ver a Tracy Chapman o a Paul Simon conectando un amplificador Marshall a una Fender...” Válido o no, el concepto unplugged ha servido para que los buenos artistas se destaquen y para que los malos se caigan. Y cuando es un término medio, ¿es bueno? ¿Es malo? ¿O ni lo uno ni lo otro? Todo lo anterior es para reseñar el reciente MTV Unplugged hecho por la banda Korn el 9 de diciembre de 2006 y recientemente lanzado tanto en disco como el especial. Puesto que no tenemos la grabación, nuestras observaciones se harán a partir del programa.

Quizás en búsqueda de que fuese lo más íntimo posible, Korn decidió grabar este concierto en los minúsculos estudios de MTV ubicados en Times Square, Nueva York, los mismos donde sale todos los días “Total Request Live.” Más en vez de servir como algo familiar, se siente como un espacio no apto para claustrofóbicos. Artistas anteriores grabaron sus conciertos en espacios más grandes, tal es el caso por mencionar uno de ellos el de Alice In Chains realizado en el Teatro Majestic de la Academia de Música de Brooklyn en 1996, donde aun con lo grande del lugar, se sentía muy personal, muy intimista; cosa que no sucede en este caso.

A continuación las canciones. Salvo por “Twisted Transistor” Korn omitió flagrantemente el material de sus primeros dos discos. Cualquiera hubiese esperado escuchar una versión de “A.D.I.D.A.S.” con guitarras acústicas, pero en cambio se decidieron por incluir la canción más mala de su repertorio y la más disco music por demás: “Got The Life.” Junto con ello está el hecho de que limpiaron de malas palabras sus canciones, lo cual es soberanamente imperdonable aun en aras de la transmisión por televisión. ¿No hubiese sido más fácil grabar dos veces, una para los medios y otra para video y disco con Parental Advisory Explicit Lyrics? ¿Cómo hubiese sido si Jim Morrison hubiese hecho caso del productor de “The Ed Sullivan Show” y hubiese cantado “Light My Fire” sin el “high” de la canción como es? No conformes con esta condición afresada de sus canciones, hacen una versión del clásico de Radiohead “Creep” sin el “...So fucking special...” que canta originalmente Thom Yorke. Eso hubiese estado bien de haber sido Barbra Streisand, pero no en el caso de Korn.

Un párrafo para dos consideraciones; primero las damas. Para versionar “Freak On A Leash”, una de sus canciones más populares, traen como invitada a la Lucía Galán del emo rock; es decir, Amy Lee de la banda Evanescence (acotación: Lucía Galán es la cantante del dúo Pimpinella). Por momentos pareciera que uno escucha “El Amor No Se Puede Olvidar” en vez de el tema mencionado. Y encima libre de malas palabras. En segundo lugar, The Cure. Ya ellos habían grabado un unplugged en 1991, un clásico por demás. No entendemos qué motivo a Robert Smith a permitir que su CLÁSICO “In Between Days” – a título personal LA MEJOR canción de The Cure- fuese mezclado con “Make Me Bad” que, ¡oh sorpresa!, también estaba libre de malas palabras. A lo mejor el Robert estaba “entonado” con la base blanca del maquillaje. Y para los que adoran a Linkin Park, en el público estaba el vocalista Chester Bennington.

Es de hacer notar el uso de instrumentos no tradicionales en la grabación junto con las guitarras acústicas y la batería, cuales son: tambores taiko, armónica de cristal, serruchos, además de cellos, trombón y piano. Pero para los que crean que ellos son los primeros; señores, alguien se les adelantó en 1994 con unos resultados que se aproximan a la genialidad. Es el caso del EXTRAORDINARIO Unplugged de Björk grabado en un escenario grande de Londres con artistas de diverso origen cultural y étnico y adaptando canciones del disco “Debut” 100% electrónicas a ser 100% acústicas. Para muestra dos ejemplos: “Human Behaviour” tocada sólo con un clavecín y “Violently Happy” con percusión africana, guitarras, copas llenas de agua y el mismo clavecín. ESO ES ARTE. Love it or hate it! Punto.

Y mencionado lo anterior, es justo hacer un ranking de los 12 mejores MTV Unplugged de todos. Estos son, a criterio de este servidor:

· Nirvana. Sin comentarios.
· Alice In Chains. Rock llevado a lo sublime.
· Paul McCartney. El primero en hacer un disco de su concierto. 22 canciones, nada más.
· Eric Clapton. Un maestro como él sólo podía hacer magia y arte.
· Bruce Springsteen. “The Boss” haciendo un plugged (enchufado) histórico. Una canción: “Glory Days.”
· Björk. Ya lo dijimos, ES ARTE.
· Pearl Jam. Nunca editado oficialmente, pero extremadamente bueno.
· R.E.M. (1991) Otro caso de un concierto memorable que no ha visto todavía la luz de manera oficial.
· Kiss. Por primera vez en 20 años se reunificó la alineación original de la banda. Extraordinario. Y sin maquillaje.
· Stone Temple Pilots. Igualmente un concierto que no ha tenido la fortuna de estar en las casas de los fans.
· Robert Plant y Jimmy Page. Led Zeppelin a la mitad con resultados supremos. Sólo la parte en Marruecos es de lujo absoluto.
· Lenny Kravitz. El sonido malandro y sucio de Mr. Kravitz a la manera de un jam session.

Pero también hay espacio para un décimo tercero. Y es para el “Comfort Y Música Para Volar” de Soda Stereo, EL MEJOR hecho por MTV Latinoamérica. De antología la versión lisérgica, marihuanera y enervante de “En La Ciudad De la Furia” con la complicidad de Andrea Echeverri. ¿Cuándo será que saquen la edición definitiva del concierto con todas y cada una de las canciones?

Como un ejercicio intelectual y artístico, ¿qué artistas ameritarían un unplugged de MTV? Nine Inch Nails sería algo fenomenal (una muestra de lo dicho la pueden encontrar en el disco “Still” de la edición deluxe doble álbum de “And All That Could Have Been”); Radiohead también sería un experimento interesante de oír en acústico; TOOL sería equiparable al de Björk, arte en su máxima expresión; David Bowie adaptando el catálogo glam a acústico equivaldría a Phillip Glass haciendo electrónica. Metallica sería toda una revolución en acústico. The Rolling Stones sería igual a lo logrado por Clapton en su momento. Diamanda Galás ameritaría la ambulancia del psiquiátrico a la salida. Y Coldplay, por mencionar unos pocos, calzarían a la perfección en el concepto.

En suma, Korn lo hizo bien como un todo, pero con resultados dispares en sus elementos separados. Si rectificar es de sabios, deberían de volverlo a hacer con sucio, rebeldía y cabilla sin canciones “limpias.” Con canciones tal como son.