The Guitar Man

Hoy es un día muy triste para la música, en especial el Rock & Roll, el Blues y el Jazz. El genio, inventor y músico Les Paul (Lester William Polfus) fallece a los 94 años de edad por complicaciones de neumonía. El verdadero padre de la música Rock y sin dudas el inventor de la guitarra eléctrica.

Ningún guitarrista de alguno de estos géneros se puede considerar "algo" sin antes rendir honores a quien le abrió las puertas hacia el camino que hoy recorre. Sin la guitarra "muerta" o "sólida" de Paul (The Solid Guitar) y sus considerables avances en técnicas de grabación, no podríamos estar disfrutando de casi TODO lo que se ha hecho en el mundo del Rock, el Jazz y del Blues hasta hoy y hasta siempre... ¡Larga vida al Rock & Roll!

Aunque Leo Fender estuvo al mismo tiempo diseñando un prototipo de la guitarra amplificada, se le reconoce unánimemente a Paul el honor de haber experimentado y conceptualizado la guitarra eléctrica. Patentada y reproducida por la Corporación Gibson (Epiphone/Baldwin) cuyo modelo se siguió fabricando desde los años '50 hasta el día de hoy con muchas modificaciones, versiones y hasta imitaciones.



Desde BB King, Bing Crosby, Eric Clapton, Pete Townshend, Jeff Beck, Joe Perry y Keith Richards hasta Slash y Zakk Wylde, es difícil encontrar un guitarrista de renombre quien no haya pasado o poseído una de estas legendarias guitarras emblemáticas. De los nombres mencionados, todos se han destacado por usarla casi como su modelo insigne (¿quién no reconoce la Les Paul blanca de aros negros de Wylde?).

Muchos conocen a Paul por sus aportes a la música Rock y Blues siendo el padre del instrumento que le da alma y vida, pero pocos saben que él también es el padre de las grabaciones multi-track o de múltiples canales. Experimentando con regrabaciones y capas, Paul logró lo que hoy se utiliza como estándar de facto en la industria de la grabación. Paul no sólo patentó técnicas de grabación, sino que, como inventor innato, desarrolló varios componentes que añadían efectos y filtros "over-dub" a los procesos de grabación como a instrumentos amplificados ("Sel-Sync", "Les Paulverizer" entre sus logros más significativos). Siendo el primero en implementar la técnica "Close Mic" que permitía menos reverberación al colocar el micrófono a menos de 15 cm del cantante.

Paul trabajó como radiodifusor, productor musical, ingeniero de sonido y músico dentro de su extensa carrera. Sus colaboraciones y aportes invaluables a la historia de la música, la grabación y la guitarra eléctrica le han merecido la inducción al Grammy Hall of Fame y por supuesto al Rock and Roll Hall of Fame. Paul también es considerado como el Padrino afectuoso de muchos grandes músicos entre ellos Steve Miller y Joe Satriani.

Su inmortalidad comienza con su lamentable partida. Hoy rendimos honor a su nombre y su legado.

El “Rey” ha muerto

Pasó lo que eventualmente iba a pasar, a donde inevitablemente vamos todos. Michael Jackson ha fallecido a causa de un paro cardiorrespiratorio, dos meses antes de cumplir 51 años. El maremágnum de medios que han detenido su programación regular o sus publicaciones habituales para reseñar la coda de la vida de Michael ha sido de proporciones épicas, emisoras de radio colocando sus canciones sin parar; hasta CNN ha transmitido sus video clips sin parar como si fuese MTV en el año 1984. Y también se ha demostrado el peso que en fecha reciente ha tenido Twitter™ al dar la exclusiva antes que cualquier otro medio. Vendrán panegíricos y análisis en profundidad de cualquier clase y por cualquier persona sobre lo importante e influyente que era en el mundo de la música, aun por encima de sus escándalos y sus excentricidades, sin contar el circo que se formará cuando se haga pública la autopsia de ley y el funeral de rigor. Y antes que las cosas lleguen a extremos ridículos y excesivos, haremos una disección que, de seguro muchos no querrán hacer.

Empecemos por su efecto en el mundo de la música. No vamos a negarlo, al menos en la esfera del pop ha influido a muchos artistas de factura reciente; Justin Timberlake, The Black Eyed Peas y más del rythm and blues y del pop tienen trazos de los sonidos de Michael. Pero ¿era aun una fuerza a considerar? ¿Cuántos de ustedes poseen el disco “Invincible” de 2001? Y en contraste, ¿cuántos poseen “Thriller” de 1982, “Off The Wall” de 1979 así como material de la época de The Jackson’s 5?

Seamos sensatos. Muchos recuerdan las canciones de 1982 para atrás; obviamente vender más de 44 millones de copias de un disco es una hazaña monumental. Más el radio de influencia y de vanguardia que quizás pudo simbolizar en un instante, en la actualidad es poco menos que un vago recuerdo. Para muestra hay dos artistas de ese período que surgieron al mismo tiempo que él alcanzaba su megaestrellato: Madonna y Prince. Ella, con la misma edad de Michael todavía sigue siendo un peso pesado por saberse promocionar y por tomar tendencias que otros hayan tratado de imponer, las adopta y las relanza para sí, e innova en el proceso; discos memorables son “Ray Of Light” y “Confessions On A Dance Floor” en los cuales se asocia con otros productores con ideas frescas y nuevas, y con ello se revitaliza con cada aparición y cada gira. Prince es, literalmente un genio creador que con cada disco innova sonoramente, si bien también tiene su cuota de excentricidades que Michael, pero sin dejar que las mismas solapen la música que, vale decir, es hasta más vanguardista que lo creado por Michael luego de 1982. Tal vez lo más salvable del período post “Thriller” sea el tema “Leave Me Alone” publicado en el disco “Bad” de 1987, pero es sólo una isla en un mar de repetición.

¿Repetición? Sí. Sónicamente el material desde “We Are The World” –copia admitida en cuanto a concepto de lo creado por Bob Geldof con el single “Do They Know It’s Christmas?” para la lucha contra el hambre en Etiopía– hasta su disco “Invincible” de 2001 es un lazo de repetición constante de lo que hizo en los discos “Off The Wall” y “Thriller” porque no se arriesgó tanto a volver a la época de Motown como a adaptarse al “signo de los tiempos” (de nuevo referencia a una obra maestra de Prince). El Michael de 10 años que cantaba “ABC” en 1969 hasta el que interpretaba “Billie Jean” en 1982 era el que tuvo frescura y honestidad en lo artístico; ahora bien, ¿cuál hubiese sido el giro musical que debería haber hecho luego de esta canción última? ¿Hacer rap que emergía como la espuma en 1987? ¿Baladas pop a la manera de Luther Vandross? ¿Soul blanco tipo Simply Red o incluso George Michael? Y de haberse arriesgado, ¿los fans dementes que lo seguían, que lo siguen y que lo seguirán post mortem hubiesen aceptado una música más adulta y menos pop? ¿Hubiese vendido discos al nivel de “Thriller”?

El título “Rey del Pop” no fue un invento de los medios de comunicación ni de la prensa especializada; sino una creación de él en un intento por autoproclamarse por un lado, y como soberbia por el otro. La historia es así: en 1991 a meses de la publicación del disco “Dangerous” y con el panorama musical a punto de sacudirse, Michael amenazó del mismo modo que la CBS lo hizo en 1982 con no pautar los videos de otros artistas en MTV si no promocionaban el de “Billie Jean”, sólo que esta vez les negaría la exclusiva del video clip “Black Or White”. MTV se rindió y estrenó el video clip en cuestión con lo cual el disco llegó al número 1, pero sólo por una semana porque el huracán musical era imparable para servir como el clavo en el ataúd de la música pop y artificial; ese huracán se llamó “Nevermind” de Nirvana.

Pero además de la vieja buena música –porque la posterior no servía para nada– y de los video clips muy bien realizados; “Thriller” dirigido por John Landis y la versión cortometraje de “Bad” dirigida por Martin Scorsese; dos clásicos indiscutibles, lo que la carrera musical de Michael fue, ha sido en cierto modo como una nota de advertencia para los artistas pop que le han seguido sobre cómo hacer las cosas. Tomemos por ejemplo Justin Timberlake. Al separarse de N* Sync lanzó su disco “Justified” que sonaba tal cual si lo hubiese grabado Jackson, pero su siguiente grabación “Future Sex/Love Sounds” suena diametralmente opuesta; incluso hasta agradable. Esto, para no mencionar que se ha destacado como actor haciendo comedia y drama con talento, al igual que Chris “Ludacris” Bridges que ha compaginado su carrera como rappero con buenas actuaciones en películas de prestigio; algo que Michael huyó de largo limitándose solo a actuar en sus video clips. Hasta su hermana Janet ha logrado labrarse una carrera como artista influyente y cambiante con cada disco y con cada papel en cine o televisión, separándose con ello del eje de influencia de Michael.

La fama reciente de Michael era enorme en Asia, Europa, Oceanía y Sudamérica, pero en el mercado musical más grande del mundo, no. Sus últimos discos no se vendieron por las razones antes expuestas, además que los gustos musicales del norteamericano han gravitado del hip hop al gansta rap, pasando por el pop adolescente de finales de los 90 hasta llegar al emo, el rock alternativo y el grunge; sin contar que las mañas, extravagancias, escándalos y reclusión en que vivió como adulto opacaron a lo más importante: la música. Decir que Michael era una figura importante en la política mundial es casi como asegurar que Fidel Castro es un demócrata a carta cabal. ¿Cuál fue la continuidad del proyecto USA For Africa? No era una figura benefactora pública como Sir Bob Geldof quien ha continuado en campaña por la condonación de la deuda del Tercer Mundo o como Bono, quien para muchos es el equivalente al Papa en el mundo del rock por la capacidad de dialogar con personalidades importantes, proponer ideas y soluciones, y abogar por causas políticas como nadie lo ha hecho. La única beneficencia que hizo Michael fue a favor de la niñez, siendo ésta su tabla de perdición.

He aquí el lado triste de la historia: un padre controlador, manipulador e infiel que abusaba de sus hijos con el fin de vivir de ellos negándoles el derecho a cumplir con su crecimiento, creando a la larga conductas discutibles y reprobables. Y no estamos hablando de su negativa a crecer o de rodearse con otros “niños” que no tuvieron infancias saludables (sus amistades con Elizabeth Taylor o Liza Minelli), sino del hecho de no admitir que tenía un problema muy grave –la pedofilia específica, sólo deseaba estar con niños, no con niñas– y aun peor: de no buscar ayuda y hacer mea culpa por sus actos. Tal vez haciendo esto último le hubiese ganado respetabilidad y reconocimiento, toda vez que al público le gusta ver un segundo y hasta un tercer resurgimiento, caso reciente de Britney Spears. Pero al no hacerlo sepultó su música en el fango del escándalo, representado en las dos acusaciones de violación de menores; la segunda reseñada en este espacio cuando se le absolvió. Y quizás no hubiese despertado lástima si admitía desde el principio que tenía un problema de piel, despertando incluso, solidaridad en el público en vez de someterse a toda una galería de procedimientos quirúrgicos, cirugías plásticas, blanqueado de piel, locuras extravagantes en cuanto a compras de bienes raíces y de artículos varios.

Aquí empieza la similitud de la vida y la carrera de Michael Jackson con la de Elvis Presley. No es exageración; ambos conocieron la fama mundial a edad joven, fueron controlados por figuras dominantes –Joe Jackson uno; el Coronel Tom Parker el otro– , luego de su momento de gloria musical sus carreras empiezan a ir en declive, viven una existencia aislada en mansiones que parecen fortalezas siendo complacidos por cortes de aduladores y sicofantes que les complacen cuanto capricho se les antoje (incluso drogas), padecen de dificultades para relacionarse con el resto de la gente, y por mucho que tratan de recuperar la fama perdida no logran sintonizarse con los tiempos que corren.

Innegablemente, Michael Jackson aportó algo al panorama musical: su forma de bailar influenciada por James Brown y Fred Astaire y su música que desde 1969 hasta 1982 fue original, diferente y muy buena. Por desgracia no supo ir a la cabeza del mundo artístico luego de publicar “Thriller”, dejando que lo negativo prevaleciera sobre la creación. Tal vez en este momento solo quede el recuerdo de tiempos mejores, de los buenos video clips y de la buena música. Y lo más importante. Michael Jackson podrá descansar y ser el niño que siempre quiso ser.

Michael Jackson (1958-2009)

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Desde que hace un par de años Radiohead abrió las compuertas de las descargas digitales para los artistas reconocidos con el lanzamiento de su disco “In Rainbows” bajo la modalidad de pagar el precio que se quisiera por descarga –eventualmente este disco sería tarifado en cuanto a descargarlo y publicado en CD–, prácticamente muchos artistas reconocidos han colocado sus nuevas grabaciones en la red para ser bajadas en los computadores; un poco el efecto del signo de los tiempos en que el modelo tradicional de distribución musical por medio de ventas de discos en tiendas ha sido trastocado por el panorama de las descargas ilegales de música, algo si se quiere curioso debido a que todo aquél que sube discos a la Internet para su descarga ilegal debe, la más de las veces, haber adquirido el material en físico.

Más sin embargo, ha habido artistas que han hecho de esta forma de comunicación, además de un canal con los fans, un modo excelente de llegar a mercados que las disqueras tradicionales no se esmerarían en promocionar, junto con liberarse de las camisas de fuerza que estas empresas a veces someten. El caso más obvio ha sido el de Trent Reznor, quien al liberarse de su contrato con Nothing/Interscope Records, ha podido lanzar discos por medio de Internet con una calidad técnica y artística que rivaliza de plano con cualquier debut de material de artistas noveles. Este ha sido el caso de sus discos “Ghosts I-IV” y “The Slip” para su banda Nine Inch Nails, amén de singles promocionales y rarezas tanto de su grupo como de artistas con los que sale de gira, sin dejar de lado en sacar sus discos en material físico con lo cual recibe el total de las ganancias sin intermediarios. La otra banda que ha seguido este modelo de promoción es Coldplay.

Aun cuando siguen lanzando grabaciones bajo el sello EMI Records, Ltd., los británicos liderados por Chris Martin también han usado Internet para su promoción y también como un gesto de agradecimiento para su fanaticada; no por nada, el primer single de su reciente disco “Viva La Vida Or Death And All His Friends”, “Violet Hill” fue lanzado mundialmente por Internet antes de llegar a las radios, además de publicar mezclas de este disco hechas por otros productores y por DJs.

Más una realidad es cierta, y es que la situación de crisis económica mundial han afectado tanto al mundo del entretenimiento como al público en general. Esto se ha traducido en que las personas no pueden adquirir un disco del modo tradicional. He aquí que Coldplay, en una muestra de estar conscientes de las circunstancias actuales y aplicando su consigna que aparece en los conciertos del “Make Trade Fair”, ha decidido regalar su disco nuevo grabado en vivo “LeftRightLeftRightLeft” en físico a los asistentes a su gira norteamericana como en descarga digital a la audiencia mundial. Y esta es, a continuación, la reseña que vamos a hacer.

Antes de seguir, una aclaratoria. En nuestra condición de audiófilos y melómanos consumados somos defensores a ultranza de tener los discos en físico. Pero ante la realidad de que mucho del material que se lanza mundialmente no llega a estas fronteras de la forma en que deberían de llegar –el caso del “Sounds Of The Universe” de Depeche Mode y que reseñamos aquí en este espacio es un buen ejemplo donde no llegará la versión deluxe y mucho menos la oficial, sin contar que para adquirirlo hay que hacer uso del pírrico cupo de dólares que ReCadivi asigna cual limosnas (¿alguna vez vendrá el “No Line On The Horizon” de U2 en digipack?)–, y que a las discotiendas no les importa traerlos o de hacerlo son versiones rancho de los mismos, nos hemos visto en la forzosa necesidad de reseñar discos en digital. Puesto que Coldplay ha decidido hacerlo así, así lo reseñaremos.

“LeftRightLeftRightLeft” fue grabado durante la parte europea de la gira promocional del “Viva La Vida Or Death And All His Friends”, por lo que buena parte del cancionero de 9 temas está enfocado en este disco, sin dejar de lado temas de discos previos. Empezando con una dupla del disco mencionado, “Glass Of Water” y “42”, ambas del tipo de temas que animan a la gente en escenarios en vivo; la una en clave pop, la otra en tiempo de balada. “Clocks” del “A Rush Of Blood To The Head” es interpretada tal como se publicó originalmente, pop rock en su mejor expresión. “Strawberry Swing” suena aquí tal cual el disco, que vale decir, se siente la influencia aural de Brian Eno en cuanto a crear ambientes.

“The Hardest Part” una de las obras maestras del “X & Y” es tocada aquí solo con el piano como acompañante y en dupla con un fragmento de “Postcards From Far Away”, para luego seguir con “Viva La Vida” la cual tocan en vivo con toda una puesta en escena: tambores de orquesta, gong y campanas. Para el single “Death Will Never Conquer” traen como cantante al baterista Will Champion, quien además interpreta la canción y toca la harmónica en la canción que no apareció en el disco “Viva La Vida Or Death And All His Friends”, sino que al igual que en esta oportunidad fue de libre descarga. “Fix You” la gran joya del disco “X & Y” y una de las mejores canciones de la carrera de Coldplay es interpretada aquí en toda su gloria, junto con la colaboración del público que funge como un gran coro afinado y preciso. Y “Death And All His Friends” que cierra el disco empieza de modo minimalista hasta evolucionar a un pop rock fuerte, más no masivo.

Es por todo lo anterior que “LeftRightLeftRightLeft” se puede entender como un tributo de Coldplay a nosotros los fans de la banda y de su música. El disco está libre para ser descargado por cualquiera en su página oficial hasta el final del tour por Norteamérica. Son pocos los artistas que tratan bien a su público, deberían de ser muchos más.

Los Sonidos Del Universo

Hay ocasiones en que las cosas están destinadas a ser, las personas a estar en ciertos momentos o lugares, y como en lo que relataremos, a recibir algo.

Hace unos días atrás conversábamos por chat con uno de nuestros lectores y amigo de años que se encuentra en este momento residenciado en la tierra del imperio mismo y cerca de la casa de Mickey Mouse en Florida; es decir, Orlando. Mientras comentábamos sobre los nuevos lanzamientos en música –en particular con él, siendo bajista de profesión– nos manda por la ventana de conversación un link y nos indica que lo abramos con confianza. Aceptamos el mismo y hacemos click, el mismo sin nombre alguno salvo por ser un documento de WinZip. Al terminar de descargarlo lo abrimos, y cual no sería nuestra sorpresa de encontrar en 320 Kbps y en su totalidad el nuevo disco de Depeche Mode, “Sounds Of The Universe” lanzado mundialmente el pasado 20 de abril. Desde este espacio, nuestras miles de gracias al amigo Carlos por este regalo de alta estima y por ser un lector consecuente. En virtud de lo anterior y de la escucha constante y persistente que le hemos hecho en las últimas semanas, aun cuando no lo tengamos en físico y no lo podamos conseguir en estas tierras en su versión europea o deluxe, aquí está la reseña.

“Sounds Of The Universe” viene a ser el segundo trabajo de Depeche Mode que es producido por Ben Hillier, quien se encargó de la misma misión en el disco de 2005 “Playing The Angel”, junto con trabajar en “The Golden D”; el debut solista del ex integrante de Blur y fan a ultranza de Syd Barrett, Graham Coxon; además del “Think Tank” para la ya mencionada banda de Damon Albarn y “Some Cities” para los alternativos de Doves, de entre varios artistas que ha producido, pop inclusive en la figura de Natalie Imbruglia. Y es por eso que este trabajo de los Mode se siente como una continuación natural del disco anterior, pero con un nivel más alto de sonoridad.

El primer track, “In Chains” posee un intro que lo ubica como industrial puro; no balde muchos artistas de esta tendencia musical han reconocido desde siempre el aporte al género de Depeche Mode, si bien al principios ellos eran techno pop. El tema posee una estructura rítmica que va en in crescendo sin ser muy abrupto manteniendo un tono oscuro durante toda la canción. “Hole To Feed” se nutre de una sección percusiva que aporta capas o niveles de sonoridades fuertes que son matizados por el uso de guitarras. “Wrong” viene a ser el tercer track, además del primer tema promocional del disco, acompañado por un video clip escalofriante dirigido por Patrick Daughters, que junto con “Heaven” de UNKLE, “Not Fair” de Lily Allen y “Life In Technicolor II” de Coldplay entra en la lista de los mejores video clips del año. Esta canción posee un tempo acompasdo de 2 por 4 con un intermedio sostenido y breve para retomar el compás. Esta canción es una maravilla; una obra maestra es la siguiente.

“Fragile Tension” viene a ser LA CANCIÓN del “Sounds Of The Universe”; la misma es una suerte de fusión del sonido clásico de los 80 de Depeche Mode junto con toques al excelente “Ultra” de 1996; por momentos y salvo por la base rítmica y más por el tono en que está grabada, recuerda a “People Are People” de 1985. Son 4 minutos de perfección sonora a todo nivel.

“Little Soul” suena a Angelo Badalamenti con esteroides, en cuanto al uso de guitarras rockabilly para un entorno ambient del 95% de la canción y dejando el 5 restante para un riff fuerte, solo alterado por las voces de Dave Gahan y Martin Gore. “In Sympathy” se nutre de sonidos electrónicos dance sin rayar en el house y un coro potente. “Peace” es; al igual que “Fragile Tension” la segunda obra maestra del disco, en clara remembranza de otra gran banda influyente de la electrónica, Kraftwerk; fácilmente se podría sustituir la voz de Gahan con la de los robots alemanes, al punto que se parece por instantes a “Das Model.”

“Come Back” se mueve entre sonidos espaciales e industriales bajo una métrica y un compás lento, mediante la sobregrabación de la voz de Dave Gahan y un efecto de saturación sonora en la parte media de la canción. “Spacewalker” es una pieza instrumental que crea un ambiente aural a partir de sintetizadores analógicos y digitales fusionados con backbeats cercana a los dos minutos. “Perfect” se asemeja mucho en cuanto a rítmica al primer tema promocional del “Playing The Angel”, además de poseer una preponderancia de sintetizadores, solo matizada por una guitarra en efecto de arpegio. “Miles Away/The Truth Is” viene a ser el tema más fuerte de sonido rock en todo el disco, aquí la relación es a la inversa del tema anterior: más guitarras por sobre sintetizadores. “Jezebel” es el tema que por costumbre en todos los discos de la banda canta Martin Gore, y como siempre el mismo es una balada; en esta oportunidad la música viene a ser casi un susurro en comparación con la voz, más logra crear un ambiente etéreo. “Corrupt” se asemeja a temas que se han escuchado antes, concretamente en el disco “Violator”, pero la diferencia con el disco de hace 20 años atrás está en el modo como el compás marca la canción, en esta oportunidad es más ambiental y menos rockero. Como bonus track está “Interlude No. 5”, un tema de 42 segundos que se asemeja a la coda del histórico “Music For The Masses”; en esta ocasión es con el tema promocional “Wrong.”

Debido a que el link que nos mandaron era para la edición europea del disco en digipack CD-DVD, además de incluir el video clip de “Wrong”, no se incluyen los extras que están en la edición deluxe del disco con los bonus tracks “Lights”, “The Sun And The Moon And The Stars”, “Ghost”, “Esque” y “Oh Well”; además de los remixes de 6 canciones, y todos los demos de las canciones más algunos temas clásicos. Más en el link nos vino uno de los demos, concretamente el de “Come Back” en una versión lenta, más rítmica y suave que la que aparece en el disco original.

Por todo lo anterior, podemos decir que uno de los primeros discos en entrar por la carrera para Disco del Año es, además del “No Line Of The Horizon” de U2 que todavía no tenemos, el “Sounds Of The Universe” de Depeche Mode. Puede resultar extraño de oír al principio, pero una vez que se oye provoca escucharlo una y otra vez. ¿Será que se les ocurrirá venir a estas tierras a Martin Gore, a Andy Fletcher y a Dave Gahan, más allá del rumor que se corrió hace un mes atrás sobre su posible venida? ¿O a algún empresario se le vendrá la idea?

Mercy Street

Viendo en la calles vacías, todo lo que ella puede ver
son todos los sueños hechos sólidos
son todos los sueños hechos realidad

Todos los edificios, todos esos carros
fueron una vez solo un sueño
en la cabeza de alguien

Ella imagina el cristal roto, ella imagina el vapor
ella imagina un alma
sin fisura en la base

Anne Sexton nace el 9 de Noviembre de 1928 en Newton, Massachusetts bautizada como Anne Gray Harvey. Por un tiempo mientras era joven se convirtió en modelo para la Agencia Hart de Boston. En 1948 se fuga con quien sería su esposo Alfred Sexton, permaneciendo casados hasta el año 1973.

Saquemos el bote
espera hasta la oscuridad
saquemos el bote
esperemos a que llegue la oscuridad

Nada en los corredores de verde y gris pálidos
nada en los suburbios
en la fría luz del día

Hay en el medio de esto algo vivo y solo
las palabras se soportan como huesos

Sin embargo Sexton padecía de lo que para ese entonces se conocía como transtorno maníaco-depresivo; en la actualidad se le llama desorden bipolar. En sus pasajes depresivos ella sentía que para lo único que era buena era para la prostitución; sin embargo su terapista el Dr. Martin Orne consideró que tenía una vena creativa, incitándola con este fin a que se inscribiera en un taller de poesía, mismo al cual ella asistió y que al finalizarlo, recibiría éxito y reconocimiento instantáneo de parte de revistas como The New Yorker, Harper’s Magazine y Saturday Review. De igual forma se inscribió en la Universidad de Boston, estudiando con poetas como Sylvia Plath y George Starbuck.

Soñando con Mercy Street
usando tu yo interior afuera
soñando con piedad
en los brazos de tu papi de nuevo.
Soñando con Mercy Street
maldiciendo que movieron esa señal
soñando con piedad
en los brazos de tu papi.

Sexton tendría como mentor a W. D. Snodgrass, quien la alentaría a adoptar un estilo de vida literario, marcado por un tipo de poesía confesional y enfocado hacia la realidad y los aspectos cotidianos de las mujeres: aborto, menstruación, masturbación y adulterio, mucho antes de que estos temas fueran de uso general en el discurso poético; siendo por ello criticada al adoptar una narrativa cruda y directa, además de ser poco rigurosa y nada intelectual. Aun teniendo todo en contra y sin haber terminado su carrera en la universidad, se hizo acreedora de muchos premios literarios, incluyendo el Premio Pulitzer en 1967. Al mismo tiempo, se hizo amiga de la escritora Maxime Kumin, con la cual compartieron afinidades y espíritu crítico hacia el trabajo de cada una y de entre ellas.

Sacando los papeles de los cajones que se deslizan suavemente
tanteando en la oscuridad, palabra con palabra.
Confesando todas las cosas secretas en la cálida caja de terciopelo
al sacerdote – Él es el doctor
él puede manejar los shocks.
Soñando con la ternura – El temblor en las caderas
de besar los labios de María.
Soñando con Mercy Street
usando tu yo interior afuera
soñando con piedad
en los brazos de tu papi de nuevo.
Soñando con Mercy Street
maldiciendo que movieron esa señal
buscando piedad
en los brazos de tu papi.

Sin embargo, el lado maniático de la condición de Anne empezó a pasarle factura a su trabajo, reflejándose en un descenso de sus lecturas literarias y de su producción de libros, aun cuando colaboraría con músicos, formando una banda de jazz rock llamada Her Kind, que fusionaba música con su poesía. Esto le llevaría eventualmente a enfrentarse con su destino en un momento de depresión.

Piedad, piedad, buscando piedad.
Piedad, piedad, buscando piedad.

El 4 de octubre de 1974 almorzaría con su amiga Maxime Kumin para hablar sobre el libro de Sexton “The Awful Rowing Toward God” próximo a ser publicado entonces y que, según palabras de la propia Anne fueron escritos los primeros borradores en 20 días con “dos días de angustia y desesperación y tres días en un hospital psiquiátrico.” Ese día regresó a su casa, se colocó el viejo abrigo de piel de su madre, se encerró en el garage y encendió el motor de su vehículo. Fallecería cometiendo suicidio por envenenamiento con monóxido de carbono. Más el libro “The Death Notebooks” y en el ya mencionado y publicado post mortem revelaría ella una extraña ansia por morir.

La canción “Mercy Street” compuesta por Peter Gabriel para el histórico disco “So” de 1986 y que se ha reproducido aquí traducida, es un sincero homenaje al trabajo y a la vida de Anne Sexton, amén de ser –a título de quien escribe y luego de “Solsbury Hill”– la segunda mejor canción de la carrera de Peter. Y además tanto ella como Gabriel comparten un elemento en común, además de la genialidad y la poesía de su obra: ambos han sufrido de trastorno bipolar, con lo cual se demuestra que todos los genios deben de sufrir para alcanzar el éxito, la gloria y el paraíso.

Anne, con su padre salió en el bote
navegando el agua
navegando las olas del mar.

El Último Mensaje de Kurt Cobain

“Para Boddah:

Hablando como el estúpido con gran experiencia que preferiría ser un charlatán infantil castrado. Esta nota debería de ser muy fácil de entender. Todo lo que me enseñaron en los 101 cursos de PUNK-ROCK que he ido siguiendo a lo largo de estos años, desde mi primer contacto con la, digamos, ética de la independencia y la vinculación con mi entorno ha resultado cierto. Ya hace demasiado tiempo que no me emociono ni escuchando ni creando música, ni tampoco escribiéndola, ni siquiera haciendo Rock'n'Roll. Me siento increíblemente culpable. Por ejemplo, cuando se apagan las luces antes del concierto y se oyen los gritos del publico, a mi no me afectan tal como afectaban a Freddy Mercury, a quien parecía encantarle que el público lo amase y adorase. Lo cual admiro y envidio muchísimo. De hecho no los puedo engañar, a ninguno de ustedes. Simplemente no seria justo ni para ustedes ni para mí. Simular que me lo estoy pasando al 100% bien sería el peor crimen que me pudiese imaginar. A veces tengo la sensación de que tendría que fichar antes de subir al escenario. Lo he intentado todo para que eso no ocurriese. (Y sigo intentándolo, créeme Señor, pero no es suficiente). Soy consciente de que yo, nosotros, hemos gustado a mucha gente. Debo ser uno de aquellos narcisistas que sólo aprecian las cosas cuando ya han ocurrido. Soy demasiado sencillo. Necesito estar un poco anestesiado para recuperar el entusiasmo que tenía desde niño. En estas tres últimas giras he apreciado mucho más a toda la gente que he conocido personalmente que son fans nuestros, pero a pesar de ello no puedo superar la frustración, la culpa y la hipersensibilidad hacia la gente. Sólo hay bien en mí, y pienso que simplemente amo demasiado a la gente. Tanto, que eso me hace sentir jodidamente triste. El típico piscis triste, sensible, insatisfecho, ¡Dios mío! ¿Por qué no puedo disfrutar? ¡No lo sé! Tengo una mujer divina, llena de ambición y comprensión, y una hija que me recuerda mucho a como había sido yo. Llena de amor y alegría, confía en todo el mundo porque para ella todo el mundo es bueno y cree que no le harán daño. Eso me asusta tanto que casi me inmoviliza. No puedo soportar la idea de que Frances se convierta en una rockera siniestra, miserable y autodestructiva como en lo que me he convertido yo. Lo tengo todo, todo. Y lo aprecio, pero desde los siete años odio a la gente en general... Sólo porque a la gente le resulta fácil relacionarse y ser comprensiva. ¡Comprensiva! Sólo porque amo y me compadezco demasiado de la gente.

Gracias a todos desde lo más profundo de mi estómago nauseabundo por vuestras cartas y vuestro interés durante los últimos años. Soy una criatura voluble y lunática. Se me ha acabado la pasión. Y recuerden que es mejor quemarse que apagarse lentamente.

Paz, amor y empatía.

Kurt Cobain

Frances y Courtney, estaré en su altar.

Por favor, Courtney, sigue adelante por Frances, por su vida que será mucho más feliz sin mí.

Las amo. ¡Las amo!”

3 consideraciones:

• La dedicatoria de la nota era hacia un personaje llamado Boddah. Según se ha dicho éste era su mejor amigo desde la infancia, aunque tiempo después psicólogos han catalogado a este como un amigo imaginario creado por Cobain para lidiar en parte con el trauma del divorcio de sus padres.
• La cita “…es mejor quemarse que apagarse lentamente” está inspirada en la canción de Neil Young “Hey Hey My My”, padrino fundacional del movimiento grunge.
• Lo que alimenta la teoría del asesinato de Cobain se encuentra en la parte final de la carta posterior a la despedida. Según la leyenda, el mensaje dedicado a Courtney Love fue añadido por ella como un modo de encubrir su culpabilidad. Esta teoría se da a entender en el documental "Kurt & Courtney", censurado por la propia viuda.

“With common wood screws can make a child look like a deer…”
Nirvana – “I Hate Myself And Want To Die”

Fear Of The Dark

17 años. Hace 17 años este servidor tuvo la mala fortuna de no presenciar a una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos en su primera visita al país. El motivo por el cual no estuvo de testigo presencial era, curiosamente, porque no tener con quién ir. Pero hay momentos en que el brazo benévolo del rock se extiende para que los olvidados y los que quedaron atrás se acerquen en aras de ser complacidos y agradecerles la devoción y fidelidad de años. Esta sensación es la que se tiene a nivel personal después de ser testigo –esta vez sí– del concierto ofrecido el pasado 5 de marzo en el marco de la gira mundial “Somewhere Back In Time” por parte de los grandes Nicko McBrain, Steve Harris, Janick Gers, Dave Murray, Adrian Smith y el maestro Bruce Dickinson. En dos palabras: Iron Maiden.

2 Minutes To Midnight
Más es necesario aclarar que con la excepción del resto de secuaces que conforman y acompañan en este blog y en la casa de al lado que compraron sus entradas desde el primer día en que salieron a la venta, quien suscribe no tenía pase, ticket o entrada alguna; si en la anterior ocasión era por no tener con quien ir; esta vez sí había, pero la crisis y la recesión mundial ha afectado a todos, incluyendo a este servidor en donde más duele, aparte de los testículos: en el bolsillo. Hasta las 2 y media de la tarde de ese día no sabíamos si íbamos.

Pero como siempre hay almas y panas de altísimos kilates, uno de nuestros más fieles lectores trabaja en El Poliedro y tiene acceso a entradas de cortesía. Lo lamentable en esta ocasión fue que por motivos de fuerza mayor, este amigo no pudo presenciarlos, pero sí logró que éste quien les escribe pudiera entrar. Y no en la entrada general, sino en la preferencial, cero colas, trato amable. Y con un adicional que no se pudo hacer en Nine Inch Nails: el correspondiente lounge pre show antes de entrar cortesía de Solera Verde. ¡Así es como se disfruta el rock! ¡Y así tienen que volver a ser los espectáculos en El Poliedro! Desde este espacio, nuestro eterno agradecimiento al pana Glenn.

Rime Of The Ancient Mariner
Ya adentro solo fue cuestión de un par de llamadas para encontrarnos con los camaradas de costumbre, más la vieja guardia del metal. Pero también hubo espacio para las nuevas generaciones en la figura del primo de nuestro socio Herr Kaiser, con 13 años, metalero desde la cuna y siendo este el primer concierto de rock al que asistía. Sólo podemos decir que, además del instinto paternal en ello y en ensayo (de tener hijos los llevaría a conciertos desde niños), podemos descansar tranquilos sabiendo que la antorcha ha sido pasada y que el legado está en muy buenas manos.

Debido a que entramos pasadas las 7:45 PM, no vimos el grupo telonero que correspondió a la hija de Steve Harris, Lauren. Según comentarios oídos ella no está mal físicamente, pero sonoramente es como si Avril Lavigne se montara a chillar “Fuel” de Metallica, y que masacró en el “MTV Icons” en su momento. Incluso estando afuera del Poliedro oíamos unos chirridos como de frenos de tren en medio de una musicalización bárbara, hasta que caímos en cuenta que era la compensación no nacional.

Run To The Hills
8:02 PM. A esta hora el par de pantallas de video ubicadas a los laterales del escenario muestran fragmentos de la gira en diferentes ciudades del mundo, el avión conocido como el ED Force One (Flight 666) y el lujo de tener como piloto a Bruce Dickinson. Terminado ese intro, se escucha la voz de Sir Winston Churchill junto con imágenes de la Royal Air Force que marcan el comienzo de “Aces High”. Ya en este instante la inmutación era total. Los 6 caballeros del metal estaban allí, amplificados por las bondades de la tecnología.

Además de este factor, del telón de fondo cambiante que tenía a Eddie como fijo en cada momento y de los cambios de vestuario que Dickinson hacía, el mayor de todos era tener a tres guitarristas en escena en un duelo para la historia. Cada uno, Janick Gers, Dave Murray y Adrian Smith se la pasaron en las casi dos horas de concierto dando clases magistrales y presenciales de cómo se toca la guitarra eléctrica, aparte de que en todo momento estaban gozando un imperio. Y en seguidilla sonaron “Wrathchild”, “2 Minutes To Midnight”, “Children Of The Damned”, “Phantom Of The Opera”, “The Trooper”, “Wasted Years”, cada una clásica por derecho propio, con la voz eterna, etérea, inmortal y única de Bruce; el mejor ejemplo de cómo un cantante se debe comportar en escena y una prueba viviente de que la juventud se lleva en el espíritu. Pero la maestría vendría a continuación.

The Number Of The Beast
Tan sólo al escuchar a Dickinson aludir al daño ecológico y cómo la naturaleza se venga, sabíamos que lo que iba a sonar era algo épico y sublime: “Rime Of The Ancient Mariner”, completa de arriba a abajo. Si en ese instante estábamos en el séptimo cielo del metal, llegamos al octavo al escuchar “Powerslave” y “Run To The Hills”. Más lo siguiente fue el momento en que Iron Maiden nos llevó hasta los confines del espacio metalero al tocar la inmortal “Fear Of The Dark”, a título personal nuestra canción favorita del grupo y que, sin saber leer música, nos la conocemos de principio a fin, al derecho y al revés, acorde por acorde y línea por línea. Ese es el modo correcto de hacer rock. Incluso un grupo de guardias nacionales que se encontraban en la vía cercana al estacionamiento vigilando en el monte cercano estaban agitando las cabezas, en un momento muy a lo “Monsters Of Rock” en el Estadium Lenin de Moscú en 1991 con los guardias soviéticos tripeándose a Metallica. Si querían demostraciones de que el rock no distingue raza, sexo o gustos musicales y que convoca a todos, he aquí la prueba.

Y no conformes con lo anterior, se mandan “Hallowed Be Thy Name” y “Iron Maiden” para la clásica aparición de Eddie en clave Terminator y gozando un bolón. Esto, para el falso final, y luego regresar a escena, y un servidor a los 14 años cuando escuchó por primera vez (entonces en disco, ahora en vivo) “The Number Of The Beast”, “The Evil That Men Do” y “Sanctuary”, para esta vez sí terminar con el concierto.

The Evil That Men Do
Ciertamente, y por haber entrado tiempo después de la hora de inicio del concierto, no pudimos ver todo lo que en otros sitios de Internet han reseñado: acceso lento para entrar al estacionamiento del Poliedro, por parte del público asistente la empujadera, los coñazos (aquí no censuramos palabra alguna), la actitud “rockera”, la gente que era una cagada, etc. Pero sí haremos notar cuatro detalles.

En primer lugar nos gustaría saber a quién fue el de la genial idea en Evenpro de que hay que vender entradas VIP para un concierto de metal. Puede que haya gente que quiera estar separada de la masa en lugares como este, pero si de algo se ufana el rock es de su carácter gregario y unificador que traspasa diferencias económicas y sociales. Y además amigos lectores, ¿cuándo han visto que en este país el VIP de los conciertos de lo que sea se respete? Metallica en mayo de 1999 se mezcló el VIP con la olla por el mismo motivo expuesto. Y ni hablar de lo que pasó con Juan Luís Guerra en diciembre pasado. Señores, olvídense. El concepto de conciertos con entrada VIP es aplicable a ciertos estilos musicales y en otras latitudes, no aquí y menos en géneros de música tan masivos.

En segundo lugar y a consecuencia de la actitud del público empujando que hasta hubo unos cuantos desmayados, el propio Bruce Dickinson hizo el llamado a que las personas dieran dos pasos hacia atrás de manera educada y decente; un gesto que el público agradeció y aplaudió, además de demostrar el poder de convocatoria que él tiene y que definitivamente hay momentos en que al público hay que arriarlo.

Y en tercer y cuarto lugar mencionaremos la falta de potencia que hubo a lo largo del concierto. Las canciones sonaban, pero no duro, no con ese efecto de que retumba así sea en un espacio abierto y que hace al heavy metal lo que es. Además, en la mitad del concierto la pantalla izquierda, aparte de estar mal calibrada que por momentos se apagaba, tuvo una falla que mostraba un cuadrado blanco que sólo vino a solucionarse al final del concierto.

Pero estos detalles fueron lo menos. Este concierto de Iron Maiden vino al fin a saldar una deuda con nuestra alma rockera al paso de 17 años de habérnoslos perdido, siendo así el tercer mejor concierto al que hayamos asistido (el segundo fue Metallica el 4 de mayo de 1999 y el primero, por supuesto, Nine Inch Nails). Así mismo, nos demostró el carácter rejuvenecedor que tiene el metal en sus cultores; los seis rondando la cincuentena y están como los propios veinteañeros. Y Eddie vino a hacer de las suyas otra vez. Si así va a ser el cartel musical para este año, el mismo promete ser muy bueno. Solo queda corear del mismo modo que cuando se acabó todo:

¡Maiden… Maiden… Maiden… Maiden… Maiden… Maiden!

“…Aun sin tener la culpa, les pido perdón por las personas que tienen la culpa de esto".*

Hagamos un ejercicio mental. Imaginemos por un momento que somos empresarios artísticos, dedicados a promocionar y a traer al país artistas de cualquier clase; particularmente musicales. ¿Qué criterio prevalecería para contratarlos? Que suenen en la radio es una posibilidad. Que ya sean famosos y que tengan una fanaticada hecha es otro aval. Que estén en medio de una gira latinoamericana o mundial, mucho mejor para aprovechar el momento y la demanda; más todavía si son artistas clase A. Todo lo anterior es motivo suficiente para traerlos. Y cuando ya están aquí, ¿en dónde lo encerramos a él y al público? ¿Y cuántos salarios mínimos o unidades tributarias debe pagar el espectador por disfrutar de un buen show?

Admitimos que en fechas recientes se han traído artistas de diferente índole, target y estilo. Al menos en las fronteras de esta página la cuenta ha sido saldada en la arena rock, aun cuando no hayamos sido testigos de varios de estos espectáculos por factores monetarios como razón principal, cabe destacar Megadeth, Testament, Carcass, Duran Duran, Travis y REM por citar lo más reciente. Ni que decir que el mejor concierto dado por artista alguno en la historia del país lo dio el pasado 8 de octubre Nine Inch Nails. Y si bien no es santa de nuestra devoción en cuanto a música, sí lo es en lo erótico Kylie Minogue. Pero también hay iniciativas que se cayeron sin siquiera cantar la primera nota.

Tomemos como ejemplo Madonna, quien se encuentra de gira mundial con el nombre “Sticky & Sweet” para la promoción del disco “Hard Candy.” Por un factor en cuanto a la coincidencia de fechas para inicios de diciembre, se empezaron a dar las negociaciones para la traída de Maddie a estas tierras, con la ya tradicional bola de rumores a todo vapor. Y pareciera que debido a ello, las negociaciones se cancelaron, pero además por tres factores de desconocimiento que los empresarios locales no avizoraron; estos fueron: primero, la fecha probable para el concierto iba a ser el 5 de diciembre entre las presentaciones en Brasil y Argentina, estos dos países son los principales financistas del tour en estas latitudes, por lo que ellos tienen prioridad. Como extensión de lo primero, lo segundo es la ignorancia de estos tenderos, ¿qué queremos decir? Cuando las giras son mundiales con una infraestructura masiva que involucre luces, escenarios móviles, video y demás artilugios multimedia se trabajan con dos unidades, mientras una está en un país, la otra viaja al siguiente en la ruta, además el artista toma un día de descanso entre países para evitar agotamiento. Y lo tercero viene dado por una relación valor-costo con devaluación e inflación. De acuerdo a rumores que se corrieron cuando las conversaciones estaban dándose, una cifra conservadora para el costo de la entrada VIP iba a ser de BsF 6.500,00 –o Bs. 6.500.000,00 de los de antes–, con lo cual el acceso al público iba a ser poco más que prohibitivo, aun para personas con solvencia monetaria. Irónicamente, ver a Madonna en Argentina con entrada VIP, pasajes, traslados, alojamiento y gastos varios daban en las agencias de viajes un costo estimado de BsF 3.500,00. ¿Más barato verla a ella en el sur del continente que en nuestra propia casa? Difícil de creer, ¿no?

Pero ¿qué pasa cuando se acuerda traer a un artista al país, presentarlo con otros de género distinto para efectos de compensación nacional, y en lugar de resultar en un espectáculo agradable termina siendo una olla de grillos y ranas con balines de goma incluidos? Tomemos el caso de Juan Luís Guerra, quien se presentó en el país este fin de semana. Desde el comienzo de su carrera, siempre ha dicho que la segunda plaza que le abrió las puertas, luego de su natal República Dominicana, había sido Venezuela. Para la historia queda el célebre concierto de 1986 en el Teatro Teresa Carreño, en que por primera vez se rompió con el protocolo imperante entonces, convirtiendo a la Sala Ríos Reyna en una gran pista de baile.

Al hacerse el anuncio a principios de noviembre del concierto del mismo, como parte del cierre de la gira “Travesía” para la promoción del disco “La Llave De Mi Corazón”, se pensó que sería otro concierto a los que ya tiene acostumbrados hacer. Las llaves de la sospecha empiezan primero con la localidad: el Estadio de Baseball de la UCV que, si bien ya se han hecho recitales en el sitio, llamaba la atención el que no se hiciese en el tradicional Poliedro. Y lo segundo viene por el lado de la compensación nacional al montar en tarima dos conjuntos de gaitas: Maracaibo 15 y Gran Coquivacoa. Cierto es que la temporada navideña se presta para esto y más, pero ¿no es como algo forzado, algo así como Nancy Ramos como telonera de Iron Maiden? Aunque la historia ya se dio antes: El Conde del Guácharo previo a Guns ‘N Roses en 1992.

Manual para identificar que no va a resultar en un buen espectáculo: uno de los grupos de compensación no se presenta. Maracaibo 15 pasa de largo por aquello de “compromisos contraídos con anterioridad”, por lo que se coloca como sustituto de última hora a Saladillo. Otra pista: se cambia de localidad a una semana de la fecha definitiva hacia el Poliedro. ¿Razones para el cambio? Se desconocen, aunque se comentó que las asociaciones de estudiantes de la UCV amenazaron con boicotear el concierto; de ser lo anterior cierto, demuestra una falta de sentido común, amén de un amor-odio hacia el posible dinero que percibirían por concepto de ganancias. Pero algo más conspira contra el disfrute de cualquier espectáculo en El Poliedro de un tiempo para acá: no hay venta ni consumo de alcohol dentro del coso. Ya lo habíamos padecido en Nine Inch Nails, ¿qué se puede esperar de gaitas y merengue sin licor, si los géneros mencionados y las bebidas espirituosas van cual uña y sucio? Nada bueno, a nuestro parecer.

Cierto es que no asistimos al concierto, por lo que nuestra apreciación de lo que sucedió está dada a partir de lo reseñado en prensa, radio y televisión, lo leído en Internet y los comentarios por boca de amigos que sí asistieron. Y además ya deben, a estas alturas, estar enterados de lo que pasó: no hubo gaitas, hubo sobreventa de entradas que de por sí eran caras, capacidad rebasada, quejas, reclamos, cero baños portátiles a la entrada, coleados, perdigones, todos contra todos, mezcla de perraje con VIP para una olla que ni en conciertos de rock, rejas caídas, más perdigones y buen espectáculo de Juan Luís Guerra con el añadido del ratón moral que es el asumir la culpa de algo que el artista desconoce para pedir disculpas por algo que no hizo.

Aun recordamos las declaraciones dadas en 1998 por un oficial de la Policía Metropolitana ante la inminente llegada de Metallica en mayo del año siguiente a la entonces revista Urbe, antes de aspirar a ser soft porn mag. Este funcionario decía, y citamos: “…se producen más desórdenes en conciertos de Servando y Florentino, de salsa y en los gaitazos que en los conciertos de rock.” ¡Ojo! No estamos asumiendo aquí la defensa de las filas rockeras; como bien dice el refrán español: “En todos lados se cuecen habas.” Pero sí es de mencionar que en las últimas experiencias en conciertos de rock, salvo por los desmanes de la audiencia en Slayer, el comportamiento del público asistente fue más en plan de camaradería que en separación; si uno hacía slam en la olla, bienvenido; si no, sigue disfrutando tu concierto. Goza y diviértete hasta que la música termine. Solo esperemos que luego de lo acontecido con Juan Luís Guerra no se vaya a repetir lo mismo en marzo para Iron Maiden.

Consideraciones. De haber tenido la posibilidad de ir, hubiese sido más por Juan Luís Guerra que por escuchar gaitas (los que quieran saber nuestra postura sobre el género, hagan click aquí). Creemos que en la música en español ha hecho una labor magna y excelente; incluso, creemos que debería sacar un libro de poesía que lo ubique –si no es que ya lo está– en las filas de Julio Cortázar, Mario Benedetti, Federico García Lorca o Eugenio Montejo, por citar cuatro poetas monumentales. Pero eso sí, sin desórdenes, ni desmanes, ni policías mequetrefes, sin inflación ni exageración en el precio de las entradas, y lo más importante: sin empresarios especuladores y falseadores. Que sólo la música y la poesía salga por los parlantes, no ruido y balas.

*: Palabras de disculpas dichas por Juan Luís Guerra en un intermedio del concierto.

“I Am The Voice Inside Your Head…”*

A lo largo de la vida, uno como fanático de la buena música siempre se ha preguntado qué clase de maldición o sino fatal ha corrido este país para que los artistas que uno admira no vengan a estas tierras. Cuántas veces nos hemos quejado de que la mayoría de estos del tipo peso pesado no se les ocurre venir, o si lo hacen es cuando su momento de gloria y fama ha pasado a mejor vida. Aun recordamos las palabras citadas en su tiempo por Paul MacGuiness, manager de U2 cuando argumentó que el grupo no iba a dar conciertos en Colombia y en Venezuela en la gira Popmart debido a que, según su criterio, “los números no cuadran.” Sabemos que no tenemos escenarios para meter más de 50.000 personas, pero eso no quiere decir que no tengamos buen gusto. ¿Madonna? No somos plaza de conciertos y no financiamos su actual gira por estos lados ¿Coldplay? Mejor traigan a Olga Tañon ¿Radiohead? Ni en discos porque no se consiguen ni en versión colombo mexica. ¿The Rolling Stones? Sólo para sus sueños.

Afortunadamente de un tiempo a esta parte, algunos empresarios han tenido el tino de ver más allá del merengue, el reggaetón y los artistas banales o pasados de moda para traer espectáculos en el momento justo y correcto. Ya son célebres las venidas en 1999 de Metallica, de Slayer en 2006, de Deftones en 2007, así como las de Ronnie James Dio, Dream Theater, Megadeth, Joe Satriani, Deep Purple en momentos posteriores y por citar unos cuantos.

Pero lo que nunca imaginamos ni en nuestras fantasías más disparatadas potenciadas por el alcohol en su mayoría, era que la banda más importante del rock industrial; género que nos fascina a rabiar y nos encanta a muerte, liderada por el equivalente a Ludwig van Beethoven en este movimiento iba a hacer acto de presencia en esta latitud y longitud plagada de cuanto aullido sale por la radio y la televisión, y que más aun íbamos a ser testigos estelares y en primera fila de la música que hemos admirado en los últimos 12 años para acá desde que nuestro colaborador Barton nos puso en contacto con una de sus obras maestras. El sueño se cumplió el 8 de octubre de este año cero, en alusión a uno de sus discos, que vale decir los tenemos todos, creados, además, por el GENIO de Trent Reznor. Esta es la reseña del concierto de la gira “Lights In The Sky Over South America 2008” de Nine Inch Nails.

I wanna fuck you like an animal…
Antes de entrar en materia un hecho poderoso nos llamó la atención, y es el concerniente a la ausencia total de alcohol dentro del Poliedro de Caracas; esto como consecuencia de ser el local bajo la administración de la Fundación Poliedro de Caracas junto con la Universidad Bolivariana de Venezuela –la única que puede graduar cirujanos cardiovasculares en tres meses– y que por el carácter “educativo” que impera en el mismo, se prohíbe la venta de bebidas espirituosas. Con esto mencionamos que es la primera vez que vemos en un concierto de rock el ausente brillo del alcohol; y si bien no hizo falta, sí se sintió que algo acelerara el espíritu.

En cuanto a la compensación nacional (que como ustedes ya lo saben no damos interés alguno), el único elemento que llamó la atención fue la presencia de una fémina de curvas exquisitas con cámara en mano desplazándose por el escenario. No es por nada, pero este debería de ser el gancho de todas las bandas nacionales para que el auditorio –masculino, por supuesto– se mantuviera atento a ellos. Pero una duda nos asaltó mientras sonaba el grupo: ¿cómo hubiese sido si la agrupación nacional fuera la mejor banda de rock industrial que haya sido creada en el país; es decir, La Muy Bestia Pop?

This is the first day of my last days…
999.999 y 1.000.000. Estos números podrían ser cifras sin valor en otro contexto, pero en la realidad son los nombres de las canciones iniciales del reciente disco “The Slip” que marcaron el inicio del espectáculo; seguidas por “Letting You” y “Discipline”. Por razones obvias, la gira de conciertos es para promocionar este disco, pero igualmente hubo espacio para los clásicos. Tan sólo después de la última canción mencionada, saca a la luz “March Of The Pigs” y “Piggy”; ambas del histórico “The Downward Spiral” para rematar con una dupla épica de “The Fragile”: “The Frail” y “The Wretched”, en este punto teníamos los ojos aguados de la emoción. Aun cuando a partir de la quinta canción el sonido mejoró considerablemente –no es que al principio sonara mal, pero faltaba algo de brillantez–, ya nos encontrábamos en medio del paroxismo más sublime posible, dando gracias a Dios por permitir ser testigos de lujo de semejante genio: Alessandro Cortini, Robin Finck, Josh Freese, Justin Medal-Johnsen y por supuesto el hombre detrás de todo: Michael “Trent” Reznor.

Pero además de este comienzo tan épico, el concepto visual que se vio desde el principio rayaba en la perfección al utilizar dos potentes pantallas de LED –una al fondo y otra frontal que en momentos especiales tapaba el escenario quedando oculta la agrupación– que mostraban imágenes abstractas similares a las que aparecen en la edición física de “The Slip” junto con otras del “Year Zero” influenciadas por el film “Blade Runner” de Ridley Scott, además de una alusión a George W. Bush y su posible (esperemos que no) sucesor John McCain mediante los acordes de “The Hand That Feeds” del “With Teeth.” Sin embargo, uno de los momentos claves del recital fue al sonar las notas del clásico “Closer” utilizando una cámara de video que enfocaba a Trent y se proyectaba en la pantalla del fondo, un poco para que la cara de Reznor se viera más de cerca. Ni hablar del efecto de borrar la pantalla hecho por uno de sus asistentes con una linterna para resucitar dos obras maestras del “Broken”: “Pinion” y “Wish”; previamente habían traído del mismo disco a “Gave Up”. Y no conformes con lo anterior, se mandan además con material del “Pretty Hate Machine”; “Terrible Lie” y “Head Like A Hole”, junto con piezas instrumentales de “Ghosts I-IV.” En suma, Trent abarcó toda su carrera como artista y no dejó de lado a ninguno de sus discos.

There is no place I can go there is no way I can hide…
Otro momento de merma total vino con los acordes de “The Big Come Down”, uno de los mejores temas de “The Fragile” y favorito nuestro desde que se publicó el disco en 1999, en consonancia con uno de los mejores juegos de luces que hayamos presenciado. En definitiva, todo el concierto fue una experiencia multimedia como pocas.

Otra ventaja adicional vino por el hecho de la exclusividad de la banda; es decir, Nine Inch Nails no es un Iron Maiden o un Slipknot o un R.E.M. que arrastran una fanaticada masiva que llena espacios hasta en los baños, y por ende el público asistente al concierto fue más selecto y conocedor junto con los fans, casi como si el concierto fuera en la sala de una casa. En este último grupo nos ubicamos, siendo a la vez parte del concierto al ubicar cámaras que apuntaban a la audiencia y que se proyectaban las imágenes en la pantalla de fondo, siendo la misma dividida en cuatro para mostrar varias perspectivas.

De igual manera se logró recrear el ambiente que rodea a los videos de Reznor, en especial al sonar “Only” del disco “With Teeth” recreando la estética del video clip dirigido por el maestro David Fincher. Y tal como se mencionó, toda la discografía estaba allí, incluso “The Beginning Of The End” del “Year Zero”, además de “The Warning” y “Vessel.” Más un momento puede catalogarse como el más minimalista de todos: “Hurt”, el tema histórico y último de la obra maestra de la banda, “The Downward Spiral” a manera de falso final, porque rematarían con otra más del mismo disco “Reptile” para culminar con “In This Twilight.”

I’d rather die than give you control…
Como colofón a este concierto, agregamos un detalle que nuestro colaborador Sir Barton pudo hacer –y que nos llena de orgullo y de sana envidia al mismo tiempo–. Al haber llegado temprano, pudo lograr un milagro: entrar al backstage del concierto como excusa para ayudar a cargar los implementos a una masajista contratada por el organizador para los miembros de la banda. Y ante tamaña epopeya, el mencionado pudo entrar y tener lado a lado y hombro con hombro al grupo completo, incluso al genio de Trent. Como citamos hace un momento, dicho acto nos llenó de orgullo por el logro que pocos podrían aspirar, y a la vez de sana envidia por aquello de creer en falsos milagros de que uno mismo también hubiese podido compartir con algunos de ellos, algo así como si el largo brazo del rock nos tomara por el hombro y nos arrastrara hacia adentro de los camerinos; si ese hubiese sido el caso estaríamos reseñando el concierto en una cama de hospital por la emoción. Pero descuiden, para la próxima esperamos poder estar en el backsatge de “Sábado Sensacional” con los gorditos y Daniel Charcos, o en el de “Buenas Noches” con Kilo, Carla Angola y Roland Carreño.

Pero en definitiva, el que haya estado en el país Nine Inch Nails con su gira “Lights In The Sky Over South America 2008” es una demostración de que hay público para artistas clase A que se comporta de manera educada y que pueda servir como prueba para los managers de otros artistas de que hay mercado y que bien vale la pena venir aquí. A título personal, este es EL MEJOR CONCIERTO que haya sido testigo aparte de haber visto al GENIO de Trent Reznor en escena; después de esto no creo que exista algo superior; quizás que viniese TOOL, en cuyo caso su servidor será el que esté en el backstage. Dios quiera que sí.

“and I contol you.”*

[*] Línea inicial de la canción “Mr Self Destruct”

Para otra reseña con anécdotas y corresponsalía desde los camerinos de la banda, visiten Rural Tex™, claro está.

Bajo El Puente

A veces siento
Como si no tengo un compañero
A veces siento
Como si fuese mi propio amigo.
Es la ciudad en que vivo.
La ciudad de ángel.
Tan solo como estoy.
Juntos lloramos.

Manejo por sus calles
porque ella es mi acompañante.
Camino por sus colinas
porque ella sabe quién soy.
Ella ve mis buenas intenciones
Y me besa con el viento.
Nunca me preocupo.
Ahora esto es mentira.

No quiero nunca más sentir
Como me sentí aquel día.
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino.
No quiero nunca más sentir
Como me sentí aquel día.
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino, yeah, yeah, yeah.

Es difícil creer
Que no haya nadie afuera.
Es difícil creer
Que estoy muy solo.
Al menos tengo su amor.
La ciudad que me ama.
Tan solo como estoy.
Juntos lloramos.

No quiero nunca más sentir
Como me sentí aquel día.
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino.
No quiero nunca más sentir
Como me sentí aquel día.
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino, yeah, yeah, yeah.
Oh, no, no, no, yeah, yeah.
Ámame, digo, yeah, yeah.

Una vez.

Bajo el puente en el centro.
Es donde derramé algo de sangre.
Bajo el puente en el centro.
No pude tener suficiente.
Bajo el puente en el centro.
Me olvidé sobre el amor.
Bajo el puente en el centro.
Entregué mi vida lejos.

Yeah, yeah, yeah.
Oh, no, no, no, yeah, yeah.

Donde yo estoy.

Escrita por Anthony Kiedis, Michael Balzary “Flea”, John Frusciante y Chad Smith, a partir del diario de Kiedis sobre el aislamiento, el sentido de pérdida y la depresión causada por su consumo de drogas.

Bajo: Flea.
Guitarra: John Frusciante.
Batería: Chad Smith.
Voz: Anthony Kiedis.
Teclado e ingeniería por Brendan O’Brien.
Coros por Gail Frusciante y amigos.
Producida por Rick Rubin.

Grabada entre Abril y Junio de 1991 en The Mansion, Los Ángeles, California.
Canción número 11 del disco de Warner Bros. “Blood Sugar Sex Magik.”

Richard Wright (1945-2008)

Richard William Wright nace en el suburbio de Hatch End, en Middlesex, Inglaterra, el 28 de Julio de 1945, siendo el hijo de un bioquímico y de una ama de casa. Su infancia la pasaría como cualquier niño de la postguerra, en medio de la recesión que se produjo en Gran Bretaña, aun cuando ello no afectó el crecimiento de Richard, quien cursó todos sus estudios en el Haberdasher’s Aske’s School.

Al finalizar su educación básica y diversificada y con un talento innato para la arquitectura, se inscribe en el Regent Street Polytechnic College of Architecture a comienzos de 1965, a la par que realiza estudios de música. Dentro del colegio se hace amigo de Nick Mason y de Roger Waters con quienes compartía el gusto por el blues y el jazz. Bajo este espíritu deciden formar una banda con él a partir de una formación previa de nombre Sigma 6; eventualmente cambiaría de nombres (The Megadeaths, The Tea Set, The Architectural Abdabs, The Abdabs, The Screaming Abdabs) con igual cambio de integrantes, desde bajistas a coros hasta dar con Syd Barrett quien propondría el cambio de las influencias blues y jazz a favor del rock y de la psicodelia, primero bajo el nombre de The Pink Floyd Sound para luego ser abreviado a Pink Floyd. En este período, Wright contrae matrimonio con la ex corista de los Architectural Abdabs, Julliete Gale.

En un primer momento era del supuesto general que una de las fuerzas motoras de la banda estaba en los teclados de Richard Wright dado el carácter etéreo que aportaba el uso de órganos Hammond B3 y Farfisa, tan característicos de la época psicodélica; pero lo cierto era que el sonido del grupo se producía por medio de la acción de sus integrantes, y en especial por el huracán que simbolizaba Syd Barrett, artífice de la experimentación con el LSD y su traducción al lenguaje artístico y musical.

Luego de un exitoso año 1966 en donde se convierten en los consentidos de la escena underground londinense mediante su participación en conciertos en el Roundhouse, en especial el denominado “Pink Floyd, Films And Madness”, en el Marquee y en la inauguración el 31 de Diciembre de 1966 del Club UFO; 1967 los encuentra contratados por el sello discográfico EMI para grabar su primer sencillo: “Arnold Layne.” Eventualmente la banda expandiría este concepto hasta trasladarlo a un disco larga duración, “The Piper At The Gates Of Dawn”, editado el 22 de julio de 1967 y considerado como la obra maestra de la psicodelia, con piezas de clara influencia de Wright, cuales fueron “Astronomy Domine” e “Interstellar Overdrive”. Previo a este lanzamiento, la banda participaría en el concierto “14 Hour Technicolor Dream” celebrado en el Alexandra Palace el 29 de abril de 1967, actuaría el 14 de Mayo en “Top Of The Pops” para BBC y darían el 27 de ese mes el primer concierto en sonido cuadrafónico en el Queen Elizabeth Hall. Pero a la par de los éxitos, el grupo tendría que lidiar con la demencia a la que estaba cayendo Syd por su consuetudinario y constante consumo de LSD y de alcohol que se traducía en cancelaciones de conciertos y conducta errática, con lo que a final de año se decide que Barrett debe salir de la banda y ser reemplazado por el amigo de todos, David Gilmour.

Para 1968 y ya con Gilmour en el mando de la guitarra eléctrica, Pink Floyd saca su segundo disco “A Saucerful Of Secrets”, en donde Richard Wright aporta dos canciones: “Remember A Day” y “See-saw”, así como colabora en conjunto con el resto del grupo para la pieza que da título al disco. En 1969 se publica “More” como banda sonora de la película de igual nombre y dirigida por Barbet Schroeder; la participación de Wright sería de nuevo en colaboración para los temas “Up The Khyber”, “Party Sequence”, “Main Theme”, “Ibiza Bar”, “More Blues”, “Quicksilver” y “Dramatic Sequence.” Para final de año publican “Ummagumma”, disco doble con uno de ellos grabado en concierto y el otro en estudio con una pieza compuesta por cada integrante; Wright daría la canción “Sysyphus Parts I-II-III-IV”.

1970 significó el reconocimiento de Pink Floyd entre la comunidad artística mundial con la publicación del disco “Atom Heart Mother”, que fusionaba el tradicional sonido del grupo con orquestación y coros. El aporte de Richard estuvo presente en el tema que da nombre al álbum escrito en conjunto con la banda y con Ron Gessin como invitado, en “Summer ‘68” y en el esfuerzo conjunto “Alan’s Psychedelic Breakfast (Rise And Shine, Sunny Side Up y Morning Glory) .” Pero 1971 significó otro punto de inflexión en la banda con la publicación de “Meddle” y en donde la participación de Wright sería más que evidente en “One Of These Days”, “A Pillow Of Winds” y “Seamus”. Sin embargo, el aporte de este fue primordial al crear el sonido inicial del piano que luego es seguido por los demás en una de las obras maestras de la historia del rock: “Echoes.” Ese mismo año el grupo graba el antológico concierto “Pink Floyd Live At Pompeii” que sería llevado a cine, siendo un gran compendio de imágenes y música en medio del entorno de las ruinas de Pompeya. La película del concierto se estrenaría en Noviembre de 1972.

Debido al resultado que logró antes, Barbet Schroeder vuelve a contratar los servicios del grupo para hacer la música del film “La Vallee”, con lo que se crea el irregular disco “Obscured By Clouds” editado en Junio de 1972; la presencia de Wright se hace evidente en las piezas “When You’re In”, “Burning Bridges”, “Mudmen”, “Stay” y “Absolutely Curtains.” Este disco sería un ensayo para la inmortalidad que el grupo ganaría al siguiente año.



El 24 de Marzo de 1973 marcaría un antes y un después en la historia de la música con la publicación de “The Dark Side Of The Moon”, catalogado por la gran mayoría como el disco de rock más importante de la historia a la par de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles. El aporte de Richard Wright es total a lo largo del disco, pero su presencia sería destacada en el collage sonoro de “On The Run” mediante el uso del sintetizador analógico EMS VCS 3, en el piano para “The Great Gig In The Sky” y la base sonora de “Us And Them.” Esta influencia de los teclados volvería a ser protagonista en la siguiente obra maestra de Pink Floyd, “Wish You Were Here” en donde Wright sería el elemento unificador con la obertura “Shine On Your Crazy Diamond (Parts I-II-III-IV-V-VI-VII-VIII-IX).” En la parte VI de la canción hace uso de un sintetizador Minimoog para el comienzo luego de la canción título del disco. De nuevo el grupo crea otro clásico.

Pero los primeros síntomas de conflicto empezarían con la grabación y posterior publicación de “Animals” en 1977, en donde la actuación de Wright se limitó a tocar órganos Hammond, pianos Fender Rhodes y Yamaha, y sintetizadores ARP junto con prestar su voz para los coros; todas las piezas del disco fueron escritas y arregladas por Roger Waters y en menor escala por David Gilmour. Esto daría lugar a las primeras fricciones entre los dos, mismas que se acentuaron cuando Richard publicó su primer trabajo como solista en Septiembre de 1978 bajo el título “Wet Dream” con poca publicidad, pero considerado como una joya para los fans de Pink Floyd. La última de las obras maestras del grupo “The Wall” significaría en una inexistente participación en la composición, y también la eventual partida de Wright luego de la breve serie de conciertos en territorio inglés, en parte bajo alegatos de Roger Waters de que retrasaba la grabación y el lanzamiento debido a una supuesta adicción a la cocaína por parte de Richard, y que su decisión tenía el apoyo del resto del grupo. Con el tiempo se supo la verdad: la relación entre los dos se había vuelto pésima al asumir Waters actitudes dictatoriales (la prensa de la época lo apodaba Mr. Wall), y además porque Columbia Records le había asegurado a Roger un bono multimillonario si entregaba el disco para la temporada navideña de 1979; puesto que Wright no quería regresar temprano de sus vacaciones veraniegas, Waters lo despidió para luego contratarlo como músico pagado para los conciertos.

Es por ello que “The Final Cut” de 1983 es el único disco de Pink Floyd que no tiene a Richard Wright como miembro. Al año siguiente se asocia con el músico Dave Harris, ex integrante de la banda Fashion, para crear el dúo Zee y firmar un contrato con Atlantic Records para publicar un único disco, “Identity” que fue considerado un fracaso de crítica y de ventas. Al hacerse más que evidentes las tensiones, Roger Waters se va de Pink Floyd en 1985 y regresa a su casa Richard Wright para las grabaciones de “A Momentary Lapse Of Reason”, editado en 1986. Pero a causa de su status contractual durante “The Wall” y a los asuntos legales derivados, el nombre de Wright aparece en el disco en una letra reducida de la del resto de los integrantes y su foto no aparece junto con los demás. Más para la gira del disco que luego se editaría como “The Delicate Sound Of Thunder”, Wright resolvería todos estos asuntos, volviendo a ser un integrante de Pink Floyd.

El año 1994 significó el del último disco de estudio grabado por el grupo, “The Division Bell” que aun cuando tuvo ventas favorables y una receptividad entre la fanaticada, fue destrozado por la crítica musical. El aporte de Richard Wright volvió a ser el mismo que en el pasado con la composición de las canciones “Cluster One”, la colaboración “What Do You Want From Me? ” junto a David Gilmour y Polly Samson, “Poles Apart” en conjunto con los anteriores y con Nick Laird-Clowes, “Marooned”, “Wearing The Inside Out” junto a Anthony Moore y “Keep Talking.” De este disco se derivó una gira mundial que tuvo dos momentos claves: un concierto en la azotea del edificio Empire State en Nueva York y una serie de eventos en el Earl’s Court de Londres que serían grabadas para el disco y el video “Pulse”, publicado en Mayo de 1995. Al año siguiente, Pink Floyd entraría en el Hall de la Fama del Rock ‘N Roll; Roger Waters no asistió.

Ese mismo 1996, Wright edita su segundo álbum solista, “Broken China”, con colaboraciones de Sinead ‘O Connor, Pino Palladino, Manu Katché, Dominic Miller y Tim Renwick; el disco fue coescrito con Anthony Moore y en él hace uso de grabaciones basadas en computadoras. Para muchos este trabajo fue más consistente artísticamente que “Wet Dream.” Por petición de Bob Geldof, se produce la reunificación de Pink Floyd para el concierto Live 8, celebrado mundialmente el 2 de Julio de 2005. En su actuación en Hyde Park, Londres, la banda solo toca 5 temas: “Speak To Me/Breathe”, “Breathe (Reprise)”, “Money”, “Wish You Were Here” y “Comfortably Numb.”

Luego de este breve regreso, Wright colabora con David Gilmour para el proyecto solista reciente “On An Island”, junto con acompañarlo por su gira europea y norteamericana en donde, además del material nuevo, rescató los clásicos "Echoes", "Time", "Comfortably Numb", "Wearing The Inside Out", "Astronomy Domine" y "Arnold Layne." Además rechazó la invitación de Roger Waters y Nick Mason para hacer una gira en vivo de “The Dark Side Of The Moon” para lanzar un nuevo disco solista de corte instrumental, próximo a ser publicado. En lo personal, se separaría de Julliete Gale en 1982 con quien tuvo dos hijos; luego contrajo nupcias con Franka, divorciándose a los 10 años de matrimonio para casarse por tercera vez con Millie, de quien le daría un hijo, Ben. Además desde hace años libraba una batalla contra el cáncer, misma que no fue develada hasta que la perdió.

Richard William Wright fallece el 15 de Septiembre de 2008 a los 65 años de edad. De acuerdo con el vocero del grupo, Doug Wright –sin parentesco con él–, declaró: “La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd, anuncia con gran tristeza que Richard falleció hoy luego de una larga batalla contra el cáncer… La familia ha pedido que su privacidad sea respetada en esta hora difícil.” David Gilmour ha declarado: “Él fue un hombre amable, gentil y genuino y será terriblemente extrañado por muchos que lo quisimos… Y era un montón de gente. ¿Acaso él no obtuvo los aplausos más fuertes y largos al final de cada show en el 2006?”

Por lo pronto queda la publicación a título póstumo del disco solista para este año. Y la posibilidad de una nueva reunificación de Pink Floyd con la alineación original será, a partir de este instante, imposible. Pero en definitiva queda un canon musical y artístico inmortal a perpetuidad, creado por una de las bandas de rock más importantes de la historia que tenía en sus filas a uno de los tecladistas más influyentes de todos los tiempos.

¡Gracias, Richard Wright!

Trent a La Cuarta Potencia

Si en algo se ha caracterizado la carrera de Trent Reznor a lo largo de casi 20 años, ha sido en su constante capacidad para innovar y adelantarse en su momento a lo que en el futuro otros copiarán e imitarán. Quizás no fue el primero en hacer rock industrial, más en su discografía ha creado las sonoridades más provocadoras y avanzadas que el mundo de la música haya alguna vez escuchado.

En un evento más cercano a la causalidad que a otra cosa, hemos sido testigos y propietarios de 4 eventos –si es que se le puede llamar a lo que hemos recibido de parte de Trent– que nos ha hecho más creyentes de lo que hubiésemos podido soñar, más aun considerando nuestro fanatismo irredento hacia él y su banda de un solo hombre: Nine Inch Nails.

Mi Hermosa Máquina de Odio

Este nombre es el que posee su primer disco larga duración de 1989, “Pretty Hate Machine”, y según la cronología de la discografía oficial, HALO 2 (HALO 1 es el single “Down In It”).

En comparación con el sonido actual que desarrolla la banda, este disco puede sonar un poco como las primeras grabaciones de Depeche Mode, o los discos psicodélicos de Pink Floyd; pero este primer larga duración tiene a su favor un nivel de frescura que igual suena moderno para el standard actual, en lugar de sonar anacrónico. Y pensar que no teníamos pensado adquirir esta grabación en principio, pero al parecer los astros se alinearon para que nos hiciéramos de ella.

La primera pieza es, a su vez, la inicial en ser llevada a video clip, “Head Like A Hole”, con uno de los mejores tiempos percusivos que canción de rock o de electrónica pueda tener. A esto le sigue “Terrible Lie”, un up tempo constante y sonante que lleva a un final saturado y complejo considerando lo simple que va toda la canción. “Down In It” suena al paso de los años algo semejante a bandas como Laibach en sus comienzos por la preponderancia de sintetizadores Roland. “Sanctified” posee una textura particular que le imprime los drum machines de la época con la intención de crear un ritmo cíclico y una estructura circular que se acelera al finalizar. “Something I Can Never Have” viene a ser la gran balada de Nine Inch Nails en el comienzo de su carrera: poderosa, sutil y contundente al mismo tiempo. “Kinda I Want To” resulta en una de las canciones más experimentales del disco desde su comienzo y sus elementos de transición sonora en cuanto a los ritmos que marcan los drum machines en conjunto con los sintetizadores que se antecede a trabajos de gente como Filter o, incluso, Danzig. “Sin” vendría a ser –sin ánimos de desmerecer– el tema más bailable del disco; lo curioso es que la canción es pegajosa sin llegar a parecerse en nada a la moda del momento en que salió: acid house. “That’s What I Get” es un tema en que la programación hace el todo, si bien el estilo lo acerca más a bandas como Yazoo en cuanto a la métrica de la canción, sin llegar al elemento techno pop que poseía el proyecto posterior a Depeche Mode que hizo Vince Clarke. “The Only Time” es una canción fusión de tiempos lentos con compases rápidos y acompasados, y por momentos densos. “Ringfinger” cierra el disco siendo el tema más techno electrónico de Nine Inch Nails, por momentos suena como Jean Michel-Jarré en cuanto a la base del sintetizador que lo acerca a este creador francés, para luego mutar al estilo de Trent que, eventualmente evolucionaría hasta poseer una sonoridad única y diferente.

Además de Trent como amo y señor de los sonidos y las letras, también estaba en esta grabación su mecenas Flood, quien a lo largo de su carrera lo ayudaría a consolidarse como una fuerza importante en la industria de la música al igual que Chris Vrenna, quien lo ha acompañado desde el principio; junto con uno de sus primeros músicos: Richard Patrick, quien tiempo después dejaría las filas de la banda respaldo en vivo y en sesión para crear su propio e igual de interesante proyecto, Filter, el cual creó otro de los discos capitales del movimiento industrial: el extraordinario y magno trabajo “Short Bus.”

Esto apenas como un abreboca, porque lo que sigue es un salto físico de 19 años hasta llegar a este año con los siguientes tres eventos.

Fantasmas 26

Además de haber terminado el año pasado sus relaciones discográficas con el sello Nothing/Interscope, Reznor se asoció con una empresa independiente, The Null Corporation, para manejar de ahora en adelante el curso de su carrera musical, en cuanto a giras de conciertos como el mercadeo de su música.

El primer paso lo representa el lanzamiento de un proyecto que en las fronteras de una casa disquera tradicional sería poco menos que impensable e imposible. Esto es lo que simboliza el disco “Ghosts I-IV”, HALO 26. Esta grabación vendría a ser el epítome de la música a todo nivel. La envergadura de este proyecto lo convierte en uno de los trabajos más audaces e impresionantes de esta década. El mismo consta de 36 canciones divididas en espacios de 9 canciones cada una que poseen todas el mismo encabezado: “Ghosts” con las correspondientes variaciones cada nueve temas: I, II, III y IV. En total esto suma 36 canciones repartidas en un disco doble, dependiendo del formato que se adquiera por Internet, para lo cual hay cinco formas:

La primera es mediante el bajado gratis de una selección de 9 de las 36 canciones con el folleto completo que acompaña al disco. La segunda es igual que la anterior, con la excepción que se puede bajar todo el disco en tres tipo de formatos: mp3 de alta calidad; FLAC Lossless con calidad de CD y Apple Lossless con calidad de CD que permite reproducirse en iPods; esta tiene un costo de $5,00. El tercer método involucra el pagar $10,00 para un CD set de dos discos con una carátula digipack de seis paneles y un folleto de 16 páginas. El cuarto está conformado por una edición deluxe de $75,00 con dos libros que traen, entre otras cosas, la grabación en dos CD; un DVD compatible para Mac y Windows que trae las mezclas precargadas en formato. wav para ser reconstruidas y remezcladas con cualquier software de aplicación y la versión Blu-Ray del disco acompañada por el folleto que se despliega en forma de diapositivas; el segundo libro de esta edición es un físico de 48 páginas con fotografías realizadas por Rob Sheridan y Phillip Graybill, igual al que aparece en la edición Blu-Ray.

El tope de la línea –y que está agotado por demás– es la edición ultra deluxe de $300,00 que incluye, además de lo que ya viene en la de $75,00, un tercer libro con láminas que pueden ser enmarcadas, y la misma grabación en 4 Long Plays de 180 gramos de vinilo autografiados por el propio Trent Reznor e incluidos en bolsas de terciopelo, todo ello contenido en una caja de metal forrada en tela e igualmente autografiada. Nuestro colaborador y secuaz, Sir Barton, es el feliz propietario de esta edición luego de haber armado una por no habérsele enviado la de $75,00 que había pedido y, en un acto de complacer al cliente, le mandan la ultra deluxe. Esa sí que es suerte.

Demás está decir que tuvimos en nuestras manos esta edición, y cualquier calificativo se quedaría corto. Esto es ARTE, punto. Ni que decir que la versión de “Ghosts I-IV”, HALO 26 que escuchamos fue en Blu-Ray, y la sensación es poco más que celestial y espacial. Esto es llevar la música y el rock a otra esfera de conciencia, a otro plano de entendimiento. De hecho, esto va de calle junto con “10,000 Days” de TOOL como los dos trabajos más importantes de la década, al punto que si en el pasado mencionamos que este último disco era el más decisivo de estos 10 años, ahora admitimos que el mismo tiene un compañero en esta obra maestra. Y en sí, las 36 canciones del proyecto las vemos más como una sola canción de dos horas en que se experimenta con todo; esto con la ayuda del nuevo colaborador de Trent; Atticus Ross, así como del conocido Alan Moulder, el rookie Alessandro Cortini, y el regreso de un viejo amigo de “The Downward Spiral”, HALO 8: Adrian Belew.

Este disco le llevó hacerlo todo el otoño boreal de 2007 en un lapso de 10 semanas, y tal como lo explica Trent: “Esta colección de música es el resultado de trabajar desde una perspectiva muy visual –vistiendo escenarios y locaciones imaginarias con sonidos y texturas…” Y es así como hay que entender esta obra: como una generadora de estados de ánimo en vez de ser reflejo de lo que Reznor colocó, el mismo nos invita a que hagamos una introspección a partir de su música y de las imágenes que acompañan al disco, el cual, como mencionamos entra en la carrera por el disco de la década. Por el momento nos conformamos con la versión “quemada“ del disco que nos hizo Sir Barton, eventualmente compraremos (es nuestra intención) la edición de $75,00.

El Desliz 27

Pero no conforme con haber llevado hasta los límites el campo de la experimentación con “Ghosts I-IV”, Reznor lleva la cosa más allá al permitir en un principio el 5 de mayo de esta año bajar todo un disco vía Internet con 10 canciones nuevas del mismo modo que se hizo en las formas gratis y de $5,00 de los fantasmas, salvo que en esta ocasión toda la grabación fue libre con el nombre de “The Slip”, HALO 27. Está demás agregar que ese día bajamos el disco y lo hemos escuchado hasta la saciedad; de hecho en la casa de al lado le hicimos una reseña al pelo del digital. En ese entonces mencionamos que en julio saldría el disco en físico, pero con el adicional de que iba a ser una edición limitada o LE del disco más un DVD con sesiones de estudio para la gira de esta grabación de nombre “Lights In The Sky”, con un tiraje mundial de 250.000 copias. Y menos mal que nos pusimos las pilas y adquirimos nuestra edición en el momento en que salió; la que tenemos es la 147.608.

Ahora bien, les debemos la reseña del disco aquí. Considerando que todo el disco, canción por canción, lo mencionamos con pelos y señales en Rural Tex™, aquí traeremos lo que contiene el DVD y el disco como tal. El contenido físico es un digipack similar al que fue en 1999 “The Fragile”, HALO 14, salvo que esta vez es en negro en lugar de la saturación de color del disco del final del milenio, más la estructura de cartón es la misma. El DVD, por otro lado, posee cinco canciones del mencionado disco grabadas y filmadas en sesiones y ensayos para la actual gira de la banda del mismo título de la canción número 7 del CD. Y en cada una de estas canciones se nota lo consistente y fuerte que suena Nine Inch Nails en vivo, desafiando cualquier parámetro artístico o estilístico. Además, el folleto reproduce en papel glasé lo que venía en los archivos digitales en cuanto a las ilustraciones para cada canción mediante el uso de pictogramas.

Y menos mal que tuvimos el tino de adquirir esta edición antes de que se agotara, porque no nos íbamos a conformar con adquirir una edición usada que alguien que se aburriera del disco pusiera a la vena en Amazon; no señor. En ese sentido podemos decir que nuestra edición complementa a las anteriores fabricadas y distribuidas por Nothing/Interscope en Norteamérica y Europa, con excepción de un single hecho por la misma disquera, pero en Australia, así seremos de fans.

15 de Octubre de 2008

En esta fecha podemos estar seguros que se hará historia en cuanto a conciertos realizados en el país. Lo que sólo habríamos podido imaginar ver en otras latitudes como una rareza, será una fantástica realidad bajo la cúpula del Poliedro de Caracas cuando Michael “Trent” Reznor y Nine Inch Nails se presenten como parte de la sección sudamericana de la gira “Lights In The Sky Over South America 2008”, que pasará también por Buenos Aires, Argentina; Santiago De Chile; Sao Paulo y Porto Alegre, Brasil; y Bogotá, Colombia; ciudades todas que servirán como abreboca a la exégesis que se desatará ese día en esta latitud y longitud geográfica.

Y si quieren más pruebas de que ese día estaremos en la mera “olla” del Poliedro (o del “Gran redondel” como dijo en una ocasión Gustavo Cerati), vean el par de entradas que tenemos en nuestras manos y con las cuales canjearemos por las oficiales en su debida ocasión, mismas con las que entraremos Sir Barton y un servidor, y que fueron adquiridas el primer día de preventa.

Luego de todo lo anterior, ¿quieren más pruebas de que somos fanáticos de Nine Inch Nails y admiradores de Trent Reznor? Podemos decir sin temor a estar errados que la música más interesante, vanguardista e innovadora de los últimos 20 años ha sido hecha por este genio visionario que ha logrado superarse por encima de la anomia y aburrimiento que la música ha sufrido en este período, influenciando a miles que han seguido sus pasos. Para pruebas que los milagros existen, está vez han sido 4. Y si es así, que no escampe.

Les Nouvel Enregistrements Par Madame Bruni-Sarkozy

Ya desde la década de los 90, Carla Gilberta Bruni Tedeschi (en la actualidad la prime madame de la Republique du France) daba de qué hablar en el mundo: empezando por su carrera como modelo para gente como Guess?, Christian Dior, Paco Rabanne, Chrisitian Lacroix, Versace y Chanel, de entre muchas marcas que usaban su figura. Aunado a su fama como modelo de campañas publicitarias y de pasarela, se sumaban la lista de amantes, siendo más notoria sus relaciones con Mick Jagger, Eric Clapton, Donald Trump y el actor francés Vincent Perez.

Puesto que la vida de una modelo en pasarela es poco más que efímera –al menos antes que las arrugas hagan su aparición–, tuvo ella el tino de cambiar de profesión y entrar en el negocio de la música, auque su intención inicial era el ser cantante. Obviamente no en el ramo operatico, sino en el de la chanson francaise, el cual no amerita muchas destrezas de voz; para más muestras las voces de Brigitte Bardot, Juliette Gréco, Bambou, Françoise Hardy, Barbara, Coralie Clément, Mirielle Marthieu y demás voces (susurros sería la expresión más acorde, con la excepción de Edith Piaf) que han hecho de esta forma de canto algo popular y agradable para todos los públicos. En esta liga se encuentra Madame Bruni-Sarkozy.

El hecho de que reseñemos las habilidades vocales de Carla no viene dado porque poseyamos sus discos porque los mismos no se consiguen en estas regiones tórridas, ni siquiera en remates de Pepeganga o mercados de los corotos. Básicamente un par de lectores consecuentes nos dieron la oportunidad de escuchar el primer disco de ella del año 2001 y el tercero y más reciente que ya salió en Francia y buena parte de Europa, destinado a salir en Norteamérica el próximo 5 de agosto. Intrigados por el hecho de que ella cantara y de que las canciones sonaran bien, y además de que nos copiaran ambas grabaciones en un pen drive (sí, sabemos que eso contradice nuestra filosofía de apelar a las grabaciones físicas, pero la realidad es que en estas discotiendas locales lo que más venden es reggaetón con hipo), nos decidimos a escuchar ambos discos. Y los resultados han sido más que relajantes y satisfactorios.

El primero de los discos publicados por ella salió en 2001 con el título de “Quelqu'un M'a Dit” (“Alguien Me Ha Dicho”) producido por el ex integrante del grupo francés Telephone, Louis Bertignac. A nivel de crítica tuvo una recepción favorable para el elemento de ser una modelo metida a cantante, pero con la peculiaridad de que compuso todos los temas, salvo dos que son versiones; y de igual modo se reflejó en ventas por el orden de 2 millones de copias; sólo en Francia se vendió 1 millón. El primer tema del disco que le da nombre al mismo es una melodía acompasada por medio de guitarra acústica, sección de cuerdas y la voz de Carla en tono in crescendo a manera de recitación. “Raphaël" se caracteriza por el uso de guitarra con cuerdas de metal, batería con escobillas y el uso del metrónomo como parte importante para marcar el tempo de la canción. En “Tout Le Monde” se encuentra la guitarra rítmica, la principal en clave bluegrass y la voz de la Bruni a medio camino entre el susurro y lo envolvente. “La Noyée” es una versión que hace del tema compuesto por Lucien Ginsburg, mejor conocido artísticamente como Sergé Gainsbourg, en donde el arreglo del mismo lo acerca a una canción de cuna más la adición del piano y campanas que lo convierte en un tema de amor tal como lo compuso Ginsburg en su momento. “Le Toi Du Moi” posee una cadencia latina mediante el empleo de clave tanto en las baquetas como en el piano.

“Le Ciel Dans Un Chambre” es la otra versión que Bruni hace; esta vez del compositor italiano Gino Paoli en donde ella acomete la empresa de cantarlo en los dos idiomas, primero en francés y al final en italiano con una estética similar a la creada por Angelo Badalamenti para musicalizar los filmes de David Lynch. “J’en Connais” tiene un elemento fusión de chanson con toques de jazz marcados por el ritmo de tronar los dedos. “Le Plus Beau Du Quartier” tiene similitudes con la versión de “Winter Wonderland” que se usó para la campaña navideña de GAP™ en la voz de Macy Gray, con la diferencia que Carla Bruni tiene mejor voz que la versión humana de Minnie Mouse; esta canción también fue usada para una campaña navideña de las tiendas H&M™ en Europa con su particular estilo fox trot. “Chanson Triste” posee un tono lastimero con la voz de Bruni casi a capella de no ser por el uso ambiental de la guitarra. “L’excessive” se aproxima por igual al soft pop y al pop rock a la vez. “L’amour” esta compuesta y cantada para ser interpretada por cualquier líder de una gran banda, sea hombre o mujer. “La Dernière Minute” es tal como dice el título, el último minuto con la voz de ella siguiendo al metrónomo y a la guitarra que solo hace punteos breves en ciertos pasajes.

Lo que su debut discográfico se convirtió en una sensación que bien podía utilizarse como música para relajar y disfrutar dado el carácter envolvente del idioma y de la cantante, se convirtió en un colapso al lanzarse en 2007 su segundo disco “No Promises” totalmente cantado en inglés a partir de adaptaciones de poemas escritos por William Butler Yeats, Emily Dickinson, Christina Rossetti, Dorothy Parker, Wystan Hugh Auden y Walter de la Mare. Ni la crítica ni el público le dio el apoyo que 6 años antes había recibido. Situación que se revirtió ese mismo año al casarse con el Presidente de Francia, Nicolás Sarkozy, y haber grabado durante su noviazgo las bases para su actual disco, “Comme Si De Rien N'Était” (“Como Si Nada Pasó”), en donde retoma la estética de su primera grabación con una producción más trabajada en cuanto a instrumentación.

El primer tema de los 14 que conforman el disco, “Ma Jeunesse” es una suerte de canción beatle con letra francesa. “La Possibilité D'une Île” viene a ser una tema ambient en donde los protagonistas son los sintetizadores, el bandoneón y la voz de Carla tanto cantada como recitada. El tercer tema de nombre “L'amoureuse” es un pop rock con una sección de cuerdas marcando los agudos a lo largo de la canción. “Tu Es Ma Came” es un folk rock fusionado con elementos de blues, magnificado por el uso del vibráfono; este tema causó una polémica en la comunidad colombiana residente en Francia por una línea que cita “…la blanche colombianne…” (la blanca colombiana) en clara alusión a la cocaína.

“Salut Marin” posee un tempo cual tiovivo de feria en un ritmo suave marcado por la armónica, el vibráfono y el bandoneón. “La Tienne” es un up tempo de un ritmo del altiplano –por el uso de la flauta– con la unión entre batería, arpa y piano. “Péché D'envie” es una vuelta a la estética desenchufada de su primer disco con un minimalismo en cuanto al uso de instrumentos y cómo estos entran en la canción. El octavo tema es la primera de dos versiones que hace en esta grabación; concretamente un cover de una canción original de Bob Dylan, “You Belong To Me”, la cual canta en inglés acompañada sólo con la guitarra y una armónica. Es con mucho, la mejor canción del disco y una de las mejores interpretaciones de su carrera.

“Le Temps Perdu” es un tema de clara impronta chanson traditionelle con cadencia big band de jazz. “Déranger Les Pierres” es una balada a lo Jacques Brél con matices pop rock. “Je Suis Une Enfant” posee un estilo de los 60, más concretamente de Juliette Gréco, por medio de un tempo acompasado, como una invitación a bailar pegados. “L'antilope” viene a ser el tema más experimental del disco debido a la presencia única del cello y del ukulele para crear una canción country. “Notre Grand Amour Est Mort” es el segundo tema experimental por el uso de la repetición tanto en la instrumentación rock como el la letra y el tono vocal de la Bruni. La última canción del disco es otra versión, esta vez del italiano Francesco Guccini, “Il Vecchio E Il Bambino” mediante un tiempo, esta vez de canción italiana a lo Doménico Modugno con sólo batería, piano y guitarra. Todas las ganancias que genere este disco han sido destinadas a diferentes obras de caridad en Francia.

Quizás ella no será un portento vocal ni una Renata Tebaldi, pero tampoco es un caso perdido de modelos que cantan. Por fortuna la voz de la primera dama de Francia es aceptable, e incluso relajante por su fraseo y su impronta al cantar, casi como un susurro al oído en la mejor tradición de la chanson francaise. Ese el encanto y el appeal de Madame Carla Bruni-Sarkozy. “¡La Bruni est arrivé!”